Il paradisiaco Stabat Mater di Haydn per il Concerto di Pasqua, il 3-4 aprile, per la prima volta al Teatro Carmen Melis per la Stagione concertistica 2026

Venerdì 3 aprile alle 20 e sabato 4 aprile alle 19 è in programma il sesto appuntamento della Stagione concertistica 2026 del Teatro Lirico di Cagliari che prevede il tradizionale Concerto di Pasqua che, per la prima volta, si tiene al Teatro Carmen Melis, in due serate fuori abbonamento.

Quest’anno il Concerto di Pasqua è dedicato allo Stabat Mater di Franz Joseph Haydn nell’interpretazione di Orchestra e Coro del Teatro Lirico di Cagliari guidati da Alessandro Cadario, uno dei più interessanti direttori e compositori italiani della sua generazione che ha già diretto l’Orchestra nel decentramento estivo del 2011. Voci soliste della magnifica pagina musicale composta da Haydn nel 1767 sono: Francesca Aspromonte (soprano), Margherita Maria Sala (contralto), Alasdair Kent (tenore), Roberto Lorenzi (basso). Il maestro del coro è Giulio Magnanini.

Con lo Stabat Mater in sol minore per soli, coro e orchestra Hob. XX bis Franz Joseph Haydn (Rohrau, 1732 – Vienna, 1809) scrive la sua prima grande composizione sacra dopo l’inizio del suo servizio alla corte del Principe Esterházy a Eisenstadt. Composta nel 1767, l’opera rappresenta una delle pagine più significative del repertorio sacro settecentesco che influenza profondamente. La sua rapida diffusione contribuisce a consolidare la fama di Haydn come il principale compositore vocale della sua epoca. Haydn dedicò grande attenzione all’intensità e all’espressività delle immagini di fede di questo brano. Gli affetti musicali sono riusciti e il sentimento di compassione che trasmette è irresistibile. La precisione ritmica richiesta dallo Stabat Mater di Haydn presenta grandi sfide per ogni coro, ma regala al pubblico un’esperienza sonora paradisiaca. Lo Stabat Mater si sviluppa in quattordici brani musicali (simbolicamente in numero uguale alle stazioni della Via Crucis) che ripercorrono il dolore della Vergine Maria ai piedi della croce, alternando momenti solistici, duetti, concertati e grandi interventi corali.

Lo spettacolo ha una durata complessiva di 1 ora e 10 minuti circa e non prevede l’intervallo.

Da martedì 16 dicembre 2025 si possono acquistare i biglietti per tutti gli spettacoli della Stagione concertistica; lo stesso servizio è possibile anche online attraverso il circuito di prevendita www.vivaticket.it.

Ai disabili (con disabilità al 100%) e ai loro eventuali accompagnatori, sono applicate riduzioni del 50% sull’acquisto di biglietti interi.

Prezzi biglietti: € 25 (intero), € 15 (ridotto abbonati/under 30).

La Biglietteria del Teatro Lirico è aperta lunedì, martedì, mercoledì, venerdì e sabato dalle 9 alle 13, giovedì dalle 16 alle 20 e, nei giorni di spettacolo, anche da due ore prima dell’inizio, unicamente per operazioni legate allo spettacolo stesso. È chiusa, invece, i giorni festivi e i lunedì successivi alle domeniche di spettacolo.

Per informazioni: Biglietteria del Teatro Lirico, via Sant’Alenixedda, 09128 Cagliari, telefono 0704082230 – 0704082249, biglietteria@teatroliricodicagliari.it, www.teatroliricodicagliari.it. Servizio promozione culturale: educational@tldc.it. Il Teatro Lirico di Cagliari si può seguire anche su Facebook, Twitter, YouTube, Instagram, Linkedin.

La Direzione si riserva di apportare al programma le modifiche che si rendessero necessarie per esigenze tecniche o per cause di forza maggiore. Eventuali modifiche al cartellone saranno indicate nel sito internet del teatro www.teatroliricodicagliari.it.

Francesca Aspromonte – Soprano

Riconosciuta come una delle più raffinate interpreti del repertorio barocco e classico, si è diplomata con lode al Mozarteum di Salisburgo sotto la guida di Boris Bakow e ha proseguito la sua formazione con Renata Scotto all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma. Francesca Aspromonte si è esibita in teatri e sale da concerto di prestigio internazionale, tra cui: Teatro alla Scala, Carnegie Hall, Théâtre des Champs-Élysées, Grande Sala del Conservatorio di Mosca, Zaryadye Hall, Opéra Royal de Versailles, Royal Albert Hall, Barbican Centre, Wigmore Hall, Wiener Musikverein, Theater an der Wien, Wiener Konzerthaus, Fundação Gulbenkian di Lisbona, Teatro Real di Madrid, Teatro La Fenice di Venezia, Grand Théâtre de Provence, Philharmonie Essen. Ha collaborato con direttori di fama mondiale quali: Zubin Mehta, John Eliot Gardiner, Ivor Bolton, Christophe Rousset, Gustavo Gimeno, Manfred Honeck, Diego Fasolis, Ottavio Dantone, Giovanni Antonini, Maxim Emelyanichev, Enrico Onofri, Leonardo García Alarcón, Raphaël Pichon, Andrea Marcon, Gianluca Capuano, Stefano Montanari. Tra i suoi impegni più significativi si ricordano: la protagonista in Erismena di Cavalli al Festival d’Aix-en-Provence; la protagonista in Semele di Hasse agli Innsbrucker Festwochen; Almirena in Rinaldo di Händel con l’Accademia Bizantina; Euridice in Orfeo di Luigi Rossi con Pygmalion; la protagonista in Dafne di Caldara alla Fenice di Venezia; Deidamia in Achille in Sciro di Corselli al Real di Madrid sotto la direzione di Ivor Bolton; Angelica in Orlando furioso di Vivaldi ancora alla Fenice; La Musica e la Messaggiera in Orfeo di Monteverdi ai BBC Proms 2015; la protagonista in La Maddalena ai piedi di Cristo di Caldara a Praga con Collegium 1704; un recital nella Grande Sala del Conservatorio di Mosca; la protagonista in L’incoronazione di Poppea di Monteverdi al Festival Internazionale d’Opera Barocca di Beaune; la protagonista in Aci e Galatea di Händel a Mosca; Marzelline in Fidelio di Beethoven al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino sotto la direzione di Zubin Mehta; Carlo Celmino in Li zite ’ngalera di Vinci al Teatro alla Scala; soprano solista nel “Bach 300, Gala di Deutsche Grammophon” a Lipsia, oltre a numerosi recital dedicati al repertorio sacro, operistico e cameristico. Tra i progetti recenti e futuri figurano: “London Diva”, recital dedicato alla figura di Francesca Cuzzoni con Gianluca Capuano al Badisches Staatstheater di Karlsruhe; Belinda in Dido and Aeneas al Grand Théâtre de Genève con Emmanuelle Haïm; Passione secondo Matteo di Bach a Lipsia con la Gewandhausorchester; Waldvogel nella nuova produzione di Siegfried al Teatro alla Scala, diretta da Simone Young e Alexander Soddy; Pulcinella di Stravinskij alla Fenice sotto la direzione di Ivor Bolton; il debutto nel ruolo di Servilia per l’inaugurazione di stagione del Teatro La Fenice con La clemenza di Tito, diretta da Ivor Bolton; il debutto nel ruolo della protagonista in La buona figliuola al Petruzzelli di Bari sotto la direzione di Stefano Montanari; i ruoli di La Musica ed Euridice in Orfeo di Monteverdi al Festival di Glyndebourne. Ha inciso per Deutsche Grammophon, Sony DHM, Alpha Classics, Christophorus, Harmonia Mundi, Ricercare e HDB Sonus. Nel 2018 Pentatone ha pubblicato il suo album di debutto “Prologue” (una selezione di prologhi operistici del XVII secolo, da Monteverdi a Scarlatti), registrato con Il Pomo d’Oro ed Enrico Onofri, che ha ottenuto ampi consensi dalla critica internazionale. Il suo secondo album per Pentatone, “Maria & Maddalena” (annoverato tra le migliori incisioni del 2022 secondo “Gramophone”), ritrae le figure delle due Marie attraverso oratori del primo Settecento di Bononcini, Scarlatti, Händel, Lulier e altri, insieme al violinista Boris Begelman e a I Barocchisti diretti da Diego Fasolis. Il suo più recente album di recital, “Un’alma innamorata” (selezionato tra i Discos Excepcionales di “Scherzo”, 5 stelle su “Rivista Musica”, cd del mese su “Classic Voice”), inciso con Arsenale Sonoro sotto la direzione di Boris Begelman, presenta tre cantate italiane “caro sassoni” e una registrazione in prima mondiale di un’aria d’opera. Dal 2019 Francesca Aspromonte insegna prassi esecutiva e interpretazione del repertorio barocco al Royal Conservatoire of The Hague.

Alessandro Cadario – Direttore

Direttore d’orchestra eclettico nel repertorio e attento alla prassi esecutiva dei diversi stili, ha diretto nelle stagioni dei principali teatri lirici e festival italiani ed internazionali, salendo sul podio di importanti orchestre tra cui: Orchestra del Teatro Mariinskij, Orchestra Filarmonica di Monte-Carlo, Russian National Orchestra, Orchestra della Svizzera italiana OSI, Zagreb Philharmonic Orchestra, Tatarstan National Symphony Orchestra, Kraków Philharmonic Orchestra, Filarmonica Toscanini, orchestre dell’Opéra Royal de Wallonie di Liegi, del Teatro dell’Opera di Roma, del Teatro Regio di Torino, del Teatro La Fenice di Venezia, del Teatro Comunale di Bologna, del Teatro Carlo Felice di Genova, del Teatro Massimo di Palermo, del Teatro Petruzzelli di Bari, della Fondazione Arena di Verona. Ha ricoperto il ruolo di Direttore ospite principale dell’Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano dal 2016 al 2024. Nel 2015 viene invitato al Maggio Musicale Fiorentino e al Teatro Petruzzelli, occasione in cui vengono apprezzate le sue qualità di interprete rossiniano: “Stabat Mater: con Cadario è un gran Rossini” titola “La Gazzetta del Mezzogiorno”. Il 2015 è anche l’anno del suo debutto al Teatro alla Scala di Milano alla guida della Sinfónica Juvenil de Caracas a cui segue, nel 2016, il debutto in Cina con la City Chamber Orchestra di Hong Kong per la Grande Messa in do minore K.427 di Mozart. Nel 2017 è stato scelto per dirigere il Concerto di Natale dall’Aula del Senato della Repubblica Italiana, in diretta RAI, e la stagione successiva ha debuttato al Teatro Mariinskij di San Pietroburgo e al Teatro Regio di Torino con i Quattro pezzi sacri di Verdi, affermandosi come sensibile concertatore del repertorio sinfonico-corale. Nel 2019 ha diretto per la prima volta La Cenerentola di Rossini e Lo schiaccianoci di Čajkovskij al Teatro Massimo di Palermo. Ha inoltre diretto, nella stagione della Fondazione Arena di Verona, la Missa pro defunctis di Cimarosa. La Stagione 2020-2021 ha segnato il debutto al Rossini Opera Festival di Pesaro con Il viaggio a Reims, il ritorno al Teatro Carlo Felice con L’elisir d’amore di Donizetti e una nuova produzione di Trouble in Tahiti di Bernstein in dittico con La serva padrona di Pergolesi. Nella Stagione 2021-2022 viene invitato alla Royal Opera House di Muscat e al Festival della Valle d’Itria, dirigendo la prima assoluta di Opera Italiana di Campogrande; è tornato inoltre al Regio di Torino e al Massimo di Palermo per la prima assoluta dell’opera L’eredità dei giusti di Marco Tutino e per il Requiem per le vittime della mafia e ha diretto Don Giovanni di Mozart nel circuito lirico toscano. Nel 2022-23 è tornato al Filarmonico di Verona alla guida dell’Orchestra della Fondazione per un programma Bach/Stravinskij e ha debuttato all’Opera di Roma per il Festival alle Terme di Caracalla con Cinderella di Prokof’ev. Nel 2024 ha diretto la prima assoluta dell’opera Jeanne Dark di Fabio Vacchi all’86° Festival del Maggio Musicale Fiorentino, riscuotendo grandi apprezzamenti dalla critica e ha debuttato, con The Messiah di Händel, sul podio della Krakow Philarmonic Orchestra. Ha diretto inoltre in teatri e festival quali: Rossini Opera Festival di Pesaro, Festival MiTo, Petruzzelli di Bari, Massimo di Palermo, Royal Opera House di Muscat, Massimo Bellini di Catania, Opéra Royal de Wallonie di Liegi (Giselle), Opera di Roma (Il Pipistrello). Ha inoltre debuttato con la Filarmonica di Zagabria e con l’Orchestra dell’Accademia della Scala. Nella stagione in corso ha debuttato con l’Orchestra della Svizzera Italiana, ha diretto una nuova produzione di Don Giovanni di Mozart al Festival delle Terma di Caracalla, La Traviata al Teatro Coccia di Novara, Le Villi di Puccini alla Fondazione Arena di Verona riscuotendo un grande successo da parte della critica. Tra i prossimi appuntamenti è previsto il debutto all’Opéra de Marseille con Il Barbiere di Siviglia, nella stagione dell’Orchestra Sinfonica Siciliana e nel circuito dei teatri dell’Emilia Romagna con una nuova produzione di L’Italiana in Algeri di Rossini. Oltre al repertorio classico rivolge la sua attenzione alla musica contemporanea che interpreta con particolare dedizione, vista la sua duplice natura di direttore e compositore. Le sue composizioni sono state presentate, in prima assoluta, al Lincoln Center di New York, al Teatro dell’Opera di Darmstadt, al Teatro Dal Verme di Milano e al National Concert Hall di Taipei. Ha diretto numerose prime assolute di autori come Antonioni, Arcà, Bettinelli, Campogrande, D’Amico, Fedele, Galante, Tutino, Vacchi. Alessandro Cadario si diploma in direzione d’orchestra con il massimo dei voti al Conservatorio di Musica “Giuseppe Verdi” di Milano, perfezionandosi con due diplomi di merito all’Accademia Musicale Chigiana di Siena. Ha inoltre conseguito il diploma di violino, in direzione di coro e in composizione. È appassionato di astrofisica e fisica quantistica.

Coro del Teatro Lirico di Cagliari

Protagonista di un’importante attività che, a partire dal dopoguerra, lo ha portato ad eseguire oltre cento titoli di lirica, si qualifica anche per la capacità di affrontare il repertorio sinfonico. Ha avuto tra i suoi direttori Bonaventura Somma, Roberto Benaglio, Giorgio Kirschner e, in anni recenti, è stato diretto dal 1997 al gennaio 2005 da Paolo Vero, dal giugno 2005 al dicembre 2007 da Andrea Faidutti, dal gennaio 2008 al dicembre 2011 da Fulvio Fogliazza, dal gennaio 2012 al novembre 2014 da Marco Faelli, dal dicembre 2014 al luglio 2017 da Gaetano Mastroiaco, dal settembre 2017 al settembre 2020 da Donato Sivo e dal settembre 2020 da Giovanni Andreoli. La disponibilità e la capacità di interpretare lavori di epoche e stili diversi in lingua originale sono caratteristiche che lo hanno reso tra le compagini più duttili ed apprezzate da direttori d’orchestra e registi. Il complesso ha avuto particolare cura per le opere di compositori del Novecento, tra cui Le Roi David di Honegger, Stabat Mater di Poulenc, Assassinio nella cattedrale di Pizzetti, Sinfonia di Salmi di Stravinskij, Coro di morti di Petrassi, La visita meravigliosa di Rota, Stabat Mater di Szymanowski. Tra le interpretazioni delle ultime stagioni hanno particolare rilievo il Te Deum di Berlioz con la direzione di Gabor Ötvös, la Seconda Sinfonia di Mahler con Alun Francis, il Requiem e la Messa dell’Incoronazione di Mozart con Ton Koopman, il Requiem di Cherubini diretto da Frans Brüggen, il Requiem tedesco di Brahms e La Creazione di Haydn con Gérard Korsten, la Passione secondo Giovanni e la Passione secondo Matteo di Bach con Peter Schreier, le opere Sebastian, tratta da Le martyre de Saint-Sébastien di Debussy (prima produzione italiana), con la direzione di Georges Prêtre, Čerevički di Čajkovskij diretta da Gennadi Rozhdestvensky. Negli anni scorsi ha collaborato con registi quali Dario Fo, Beni Montresor, Stefano Vizioli, Lorenzo Mariani, Filippo Crivelli, Luca Ronconi, Hennings Brockhaus, Alberto Fassini, Denis Krief, José Carlos Plaza, Stephen Medcalf, Pier Luigi Pizzi, Graham Vick. Sotto la guida di Lorin Maazel ha eseguito con successo la Nona Sinfonia di Beethoven nel 1999, e l’anno successivo in un’apprezzata versione multimediale. Nel 2002 il Coro, insieme all’Orchestra del Teatro Lirico, ha rappresentato l’Italia nell’ambito della rassegna Italienische Nacht, organizzata dalla Bayerischer Rundfunk al Gasteig di Monaco di Baviera e trasmessa in diretta dalla radio bavarese. Particolarmente apprezzate sono state, inoltre, le esecuzioni della Liturgia di San Giovanni Crisostomo di Čajkovskij e il Vespro in memoria di S. Smolenskij di Rachmaninov. Nel giugno 2003 ha eseguito, con la New York Philharmonic diretta da Lorin Maazel, brani da Porgy and Bess di Gershwin. Per la casa discografica Dynamic ha inciso Die Feen di Wagner, Dalibor di Smetana, (premiate, rispettivamente, da “Musica e Dischi” quale miglior disco operistico italiano del 1997, e da “Opéra International” col “Timbre de Platine” – gennaio 2001), Čerevički di Čajkovskij, Die ägyptische Helena di Richard Strauss, Goyescas di Granados e La vida breve di De Falla, la Passione secondo Giovanni di Bach, Euryanthe di Weber, Opričnik di Čajkovskij, Alfonso und Estrella di Schubert, Hans Heiling di Marschner, Chérubin di Massenet, Die Vögel di Braunfels, Lucia di Lammermoor di Donizetti. È in preparazione l’edizione discografica di A Village Romeo and Juliet di Delius. Per la Rai ha registrato, nel 1998, La Bohème (con Andrea Bocelli nel ruolo di Rodolfo), trasmessa in tutto il mondo, e, nel 2003, Don Pasquale (edito in dvd da Rai Trade).

Alasdair Kent – Tenore

Australiano, è noto per “timbro tenorile uniforme, tecnica raffinata e intensa espressività” (Opera News), per una voce “di grande chiarezza e di splendida proiezione” (Opera Online) e per unire “un aspetto di notevole bellezza a un suono delizioso” (San Francisco Classical Voice). Interprete di fama internazionale di Rossini e Mozart, il suo repertorio per tenore acuto comprende anche la musica romantica di Bellini, Donizetti e Bizet, nonché la musica barocca e del primo periodo classico di Rameau e Gluck. Tra i suoi impegni recenti figurano esibizioni in teatri e festival quali: Wiener Staatsoper, Real di Madrid, Scala di Milano, Bayerische Staatsoper, Opernhaus Zürich, Rossini Opera Festival, Festival d’Aix-en-Provence. La Stagione 2025-2026 di Alasdair Kent include il suo debutto all’Opéra National de Paris nel ruolo di Hyllo in Ercole amante di Antonia Bembo, in una nuova produzione firmata da Netia Jones e diretta da Leonardo Garcia Alarcon, e il suo debutto alla Staatsoper Unter den Linden nel ruolo di Conte d’Almaviva nella storica produzione di Il Barbiere di Siviglia di Ruth Berghaus. Ritorna al Teatro Regio di Torino nel ruolo di Belmonte in Il ratto dal serraglio, diretto da Gianluca Capuano, all’Opera Philadelphia nel ruolo di Libenskof in Il viaggio a Reims, nella produzione di Damiano Michieletto, diretta da Corrado Rovaris, e alla Den Norske Opera & Ballett nel ruolo di Conte d’Almaviva in Il Barbiere di Siviglia. In ambito concertistico, è in tournée con Christophe Rousset e Les Talens Lyriques, interpretando Aceste in Ascanio in Alba di Mozart con il Théâtre des Champs-Elysées, il Theater an der Wien e debuttando al Teatro dell’Opera di Losanna. Si esibisce anche alla Cadogan Hall con il Monteverdi Choir e le sue orchestre in un programma concertistico dedicato a Rossini, diretto da Jakob Lehmann, nel ruolo di Oreste in estratti da Ermione e come tenore solista nello Stabat Mater. Il repertorio rossiniano di Alasdair Kent comprende numerose rappresentazioni di: Il Conte d’Almaviva (Il Barbiere di Siviglia) Wiener Staatsoper, Bayerische Staatsoper, The Dallas Opera, Opéra de Montréal; Don Ramiro (La Cenerentola) Bayerische Staatsoper, Deutsche Oper am Rhein; Lindoro (L’Italiana in Algeri) Concertgebouw Amsterdam, Opéra National de Montpellier, Opera di Stato ungherese; Don Narciso (Il Turco in Italia) Opernhaus Zürich, Opéra National de Lyon; Belfiore (Il viaggio a Reims) Rossini Opera Festival; Idreno (Semiramide) Opéra de Rouen, Théâtre des Champs-Elysées; Argirio (Tancredi) Teatro Petruzzelli di Bari; Norfolc (Elisabetta, regina d’Inghilterra) Teatro Massimo di Palermo. Il suo repertorio mozartiano comprende: Ferrando (Così fan tutte) Théâtre des Champs-Elysées, Elbphilharmonie Hamburg; Belmonte (Die Entführung aus dem Serail) Bayerische Staatsoper; Tamino (Die Zauberflöte) Opera israeliana, Royal Opera House di Muscat; Don Ottavio (Don Giovanni) Opéra de Tolone; Marzio (Mitridate, re di Ponto) Teatro alla Scala, Théâtre des Champs-Elysées. Altri ruoli includono Arturo (I Puritani) all’Ópera de Oviedo; Ernesto (Don Pasquale) al Teatro Petruzzelli di Bari; Achille (Iphigénie en Aulide) al Festival d’Aix-en-Provence; Pylade (Iphigénie en Tauride) al Teatro de la Maestranza; il protagonista in Orlando Paladino di Haydn al Real di Madrid e al Liceu di Barcellona; Pepé (Deux hommes et une femme) alla Konzerthaus Berlin; Timur (Cublai, gran kan de’ Tartari) al Theater an der Wien; Thespis (Platée) all’Opernhaus Zürich; Paolino (Il matrimonio segreto) al Festival della Valle d’Itria e al Teatro Regio di Torino; Frederic (I pirati di Penzance) alla West Australian Opera. In ambito concertistico si è esibito in: Carmina Burana con l’Opera di Philadelphia, Messa di Gloria di Rossini con l’Orchestre de Pau Pays de Béarn, Pulcinella di Stravinskij con l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI e in concerti di gala alla Carnegie Hall per le fondazioni Licia Albanese-Puccini e Gerda Lissner. Tra le sue registrazioni figurano la “Canzone del Liuto” in Suite Sinfonica da Gloriana di Britten con Ivor Bolton e la Sinfonieorchester Basel e L’Italiana in Algeri registrata dal vivo al Concertgebouw di Amsterdam. Alasdair Kent si è diplomato all’Academy of Vocal Arts di Philadelphia, è un ex allievo dell’Emerging Artist Program dell’Opera di Philadelphia, del Filene Young Artist Program della Wolf Trap Opera, del Merola Opera Program della San Francisco Opera e della Lisa Gasteen National Opera School. Il tenore ha vinto il Primo Premio al Joan Sutherland and Richard Bonynge Foundation Bel Canto Award, al Gerda Lissner Foundation International Vocal Competition, al Loren L. Zachary Society National Vocal Competition, al Mildred Miller International Voice Competition, al Violetta DuPont Vocal Competition, nonché il Primo Premio e il Premio del Pubblico al Giargiari Bel Canto Competition dell’Academy of Vocal Arts. Gli è stato inoltre conferito il Marten Bequest dall’Australia Council, uno dei più importanti riconoscimenti artistici australiani. Vive a Basilea, in Svizzera.

Roberto Lorenzi – Basso

Diplomato all’Istituto pareggiato “Luigi Boccherini” di Lucca, ha vinto il Primo Premio nella 62° edizione del Concorso As.Li.Co. per il ruolo di Don Basilio in Il Barbiere di Siviglia in tournèe in Lombardia. È inoltre vincitore dei concorsi “Tito Ruffo” e “Riccardo Zandonai”. Nel 2017 è stato finalista del prestigioso Concorso “Cardiff Singer of the World”. Nell’estate 2013 ha preso parte allo Young Singers Project al Festival di Salisburgo e, successivamente, è entrato a far parte dell’ensemble dell’Opernhaus di Zurigo, dopo essersi diplomato all’Opera Studio del Teatro nel 2015. I ruoli debuttati a Zurigo comprendono: Lorenzo in I Capuleti e i Montecchi (diretto da Fabio Luisi, dvd registrato per Accentus), Priore in La Straniera; Alidoro in La Cenerentola; La Vengeance in Médée (diretto da William Christie); Don Prudenzio in una nuova produzione di Il viaggio a Reims; Montano in Otello; Caronte in Orlando Paladino; Geronimo in Il matrimonio segreto (diretto da Riccardo Minasi); Le Gouvernuer in Le Comte Ory; Zuniga in Carmen; Publio in La clemenza di Tito (diretto da Ottavio Dantone). Roberto Lorenzi ha debuttato alla Scala di Milano a 22 anni nell’acclamato allestimento di Franco Zeffirelli di La Bohème (Doganiere) diretto da Daniele Rustioni. Ha inoltre interpretato Angelotti in Tosca; Conte Almaviva in Le nozze di Figaro ed il protagonista in Don Giovanni a Lucca; Alidoro in La Cenerentola a Piacenza, Pisa, Chieti e all’Opera di Lille; Ferrando in Il Trovatore per As.Li.Co.; Daland in Der Fliegende Hollaender nel progetto “Opera Domani” al Teatro Olimpico di Roma, al Teatro Comunale di Bologna e al Teatro Regio di Torino; Gualtiero in I Puritani al Massimo di Palermo; e Leporello in Don Giovanni a Tel Aviv. Ha debuttato al Concertgebouw di Amstedam nel ruolo del Priore in La Straniera e come Colline in La Bohème nel Circuito marchigiano. Ha inoltre cantato nelle produzioni di: Il viaggio a Reims al Musikverein di Vienna; Carmen a Caracalla; Don Giovanni (Masetto) al Comunale di Bologna e per l’inaugurazione della stagione al Teatro dell’Opera di Roma diretto da Daniele Gatti; La Cenerentola (Alidoro) a Martigny e al Grange Festival di Londra; Il Trovatore (Ferrando) in tournée in Italia; Le nozze di Figaro (Figaro) al Grange Festival di Londra, alla Norske Opera di Oslo e al Teatro Comunale di Bologna; Così fan tutte a Nizza, Antibes e Pistoia; L’Ange de Nisida, Medea in Corinto, Lucia di Lammermoor, Raffa in the sky a Bergamo; A Midsummer Night’s Dream di Britten a Londra (Grange); Alceste, I Puritani e Il Tabarro all’Opera di Roma; Il ritorno di Ulisse in patria al Festival Monteverdi di Cremona diretto da Ottavio Dantone; La Bohème di Leoncavallo (Colline) in versione da concerto a Catania e Minorca; Pelléas et Mélisande a Modena e Piacenza; I Capuleti e i Montecchi a Liegi e Hannover; Loreley ad Amsterdam; La Bohème di Puccini (Shaunard) a Parma e Reggio Emilia. Sul versante concertistico ha interpretato Messa da Requiem di Verdi al Teatro Verdi in Pisa; Requiem di Mozart a Lucca e all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma; The Messiah di Händel a Madrid, Danzica e Siviglia (diretto da Fabio Biondi con Europa Galante); Stabat Mater di Rossini con la Sinfonica di Milano; Petite Messe solennelle a Pesaro, Parigi e Perm; Nona Sinfonia di Beethoven con I Pomeriggi Musicali diretti da Nathalie Stutzmann e in tournée a Pistoia, Perugia, Rimini e Amburgo con l’Orchestra Leonore; La Creazione di Haydn all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma diretto da John Eliot Gardiner; una serie di concerti a Pesaro; Manfred all’Opera di Roma; Gli arabi nelle Gallie di Pacini e la cantata di Rossini Il vero omaggio a Cracovia e Wildbad; Requiem di Faurè a Padova e Rovigo; Stabat Mater di Dvořák (versione per pianoforte) al Carlo Felice di Genova e La Passione di Gesù Cristo di Salieri al Filarmonico di Verona e a Legnano. Tra gli impegni della Stagione 2025-2026 si segnalano: L’occasione fa il ladro (Don Parmenione) alla Wiener Kammeroper; I Puritani (Sir Giorgio) a Como, Pavia e Cremona; L’Olimpiade di Vivaldi a Verona; L’elisir d’amore (Dulcamara) a Pisa; Le nozze di Figaro a Pescia; il dittico La Favola di Orfeo-Pulcinella al Festival della Valle d’Itria di Martina Franca.

Giulio Magnanini – Maestro del coro

Dopo aver completato gli studi nei conservatori di Genova e Torino, inizia a lavorare come Maestro collaboratore e Maestro del coro in realtà musicali imperiesi per approdare al Teatro dell’Opéra di Nizza nel 1994 come assistente di Dante Ghersi e, successivamente, di Jean Laforge. Nel 1996 l’allora sovrintendente del teatro Giancarlo Del Monaco lo nomina Maestro del coro. Da allora ha assicurato la preparazione della compagine nizzarda su oltre 100 titoli operistici e ancor più numerosi titoli sinfonici e cameristici, spaziando dal repertorio rinascimentale alle creazioni di musica contemporanea. Le testimonianze dei numerosi direttori musicali, dei registi e le critiche lusinghiere sono l’indicazione della qualità del lavoro svolto in questi anni. Frequentemente invitato nelle giurie di importanti teatri come l’Opéra di Parigi, ha inoltre condotto il coro dell’Opéra di Nizza sui più prestigiosi palcoscenici francesi (Chorégies d’Orange, Salle Pleyel, Théâtre des Champs Elysées), raccogliendo unanimi consensi per le prestazioni del gruppo da lui preparato. Negli ultimi anni il Coro dell’Opera di Nizza ha intrapreso un cammino di crescita che lo ha portato alla realizzazione di numerosi programmi a cappella (tra cui l’integrale dell’opera di Poulenc per questo organico) e l’organizzazione di diverse tournée (Tunisia, Russia, Cina). Dal 2017 al 2019 ha partecipato, come docente, ad un programma di formazione per maestri del coro in diverse città della Cina. Recentemente è stato Maestro del coro per la produzione Bastarda a La Monnaie di Bruxelles. Frequentemente chiamato a dirigere concerti per coro e orchestra, ha potuto affrontare repertori più conosciuti, come i 4 Pezzi Sacri di Verdi o Carmina Burana di Orff, e opere di più rara esecuzione come Canto General di Theodorakis o il Te Deum di Penderecky.

Orchestra del Teatro Lirico di Cagliari

È stata fondata nel 1933 e ha consolidato, negli anni, un fecondo rapporto con i maggiori direttori italiani, tra cui Tullio Serafin, Vittorio Gui, Antonino Votto, Guido Cantelli, Franco Ferrara, Franco Capuana, Willy Ferrero, e con compositori quali Ottorino Respighi, Ildebrando Pizzetti, Ermanno Wolf Ferrari, Riccardo Zandonai, Alfredo Casella. Risalgono agli anni ‘50-’60 le apparizioni sul podio di Lorin Maazel, Lovro von Matacic, Claudio Abbado, Sergiu Celibidache, Riccardo Muti, e le collaborazioni con Gioconda De Vito, Leonid Kogan, Henryk Szering, Andrés Navarra, Dino Ciani, Maria Tipo, Nikita Magaloff, Wilhem Kempff, Martha Argerich. In questi ultimi anni l’Orchestra ha collaborato, tra gli altri, con direttori come Lorin Maazel, Georges Prêtre, Emmanuel Krivine, Mstislav Rostropovich, Ton Koopman, Iván Fischer, Frans Brüggen, Carlo Maria Giulini, Gennadi Rozhdestvensky, Rafael Frühbeck de Burgos, Neville Marriner, Christopher Hogwood, Hartmut Haenchen e con solisti come Martha Argerich, Aldo Ciccolini, Kim Kashkashian, Viktoria Mullova, Misha Maisky, Truls Mørk, Sabine Meyer, Yuri Bashmet, Salvatore Accardo. Dal 1999 al 2005 Gérard Korsten ha ricoperto il ruolo di direttore musicale e ha, fra l’altro, diretto in prima esecuzione nazionale, Die ägyptische Helena di Richard Strauss, Euryanthe di Weber e A Village Romeo and Juliet di Delius, mentre nella stagione 2007-2008 George Pehlivanian è stato direttore ospite principale. Negli ultimi anni l’Orchestra ha collaborato regolarmente con Lorin Maazel, compiendo nel 1999 una tournée in Europa ed eseguendo con successo una serie di concerti. Nel 2002 ha rappresentato l’Italia nella rassegna “Italienische Nacht”, organizzata dalla Bayerischer Rundfunk al Gasteig di Monaco di Baviera e trasmessa in diretta dalla radio bavarese. Nel 2005 ha suonato in un concerto in onore del Presidente della Repubblica Italiana Carlo Azeglio Ciampi. Nel 2010 ha partecipato al 98° Festival di Wiesbaden con Lucia di Lammermoor per la direzione di Stefano Ranzani e la regia di Denis Krief, riscuotendo un grande successo. Recentemente, nell’ambito di un progetto di internazionalizzazione del Teatro Lirico di Cagliari, realizzato e promosso in collaborazione con l’Unione Europea, il Governo Italiano e la Regione Sardegna, l’Orchestra è stata invitata dalla New York City Opera per l’esecuzione di La campana sommersa di Respighi, ricevendo il plauso del pubblico e della critica. Negli ultimi anni, anche nell’ambito della rassegna “Cinque passi nel Novecento”, ha eseguito, in prima assoluta, composizioni per orchestra che il Teatro Lirico di Cagliari ha commissionato a compositori come Sylvano Bussotti, Giorgio Tedde, Azio Corghi, Fabio Nieder, Alberto Colla, Carlo Boccadoro, Franco Oppo, Francesco Antonioni, Ivan Fedele, Michele Dall’Ongaro, Filippo Del Corno, Vittorio Testa, Sergio Rendine, Orazio Sciortino. Per la casa discografica Dynamic ha inciso opere in prima esecuzione in Italia, quali: Die Feen di Wagner, Dalibor di Smetana, (premiate, rispettivamente, da “Musica e Dischi” quale miglior disco operistico italiano del 1997, e da “Opéra International” col “Timbre de Platine” – gennaio 2001), Čerevički e Opričnik di Čajkovskij, Die ägyptische Helena di Richard Strauss, Euryanthe di Weber, Alfonso und Estrella di Schubert, Hans Heiling di Marschner, Chérubin di Massenet, Lucia di Lammermoor di Donizetti. Ha inciso, inoltre, Goyescas di Granados e La vida breve di De Falla, La Passione secondo Giovanni di Bach, La sonnambula di Bellini, I Shardana di Porrino per la Dynamic, Don Pasquale per Rai Trade e La leggenda della città invisibile di Kitež e della fanciulla Fevronija di Rimskij-Korsakov per Naxos. Per la Rai ha registrato, nel 1998, La Bohème trasmessa in tutto il mondo.

Margherita Maria Sala – Contralto

Vince il Primo Premio al Concorso Internazionale di Canto Cesti 2020, dove riceve anche il Premio del Pubblico, e il Premio Speciale del Festival Resonanzen alla Konzerthaus di Vienna. Nata a Lecco, inizia la sua formazione musicale fin da bambina sotto la guida dei genitori, entrambi musicisti. Oltre al violino, studia canto nel gruppo vocale polifonico “Famiglia Sala” composto da sette membri della sua stessa famiglia. Nel 2017 si diploma in Direzione Corale all’Accademia Biennale di Formazione per Direttori di Coro di Bellinzona sotto la guida di Marco Berrini. Più recentemente, Riccardo Muti la invita a cantare il Magnificat di Vivaldi a Lourdes e Loreto e lo Stabat Mater di Pergolesi a Jesi e Ascoli Piceno. Debutta al Théâtre des Champs-Elysées nel 2021 con Oreste di Händel al fianco di Franco Fagioli e sotto la direzione di Maxim Emelyanychev e da allora è tornata a cantare Bradamante in Orlando furioso di Vivaldi e Aristea in L’Olimpiade dello stesso compositore, entrambi con Jean-Christophe Spinosi. È ospite regolare delle Innsbrucker Festwochen der Alten Musik dove, guidata dalla bacchetta di Alessandro De Marchi, ha cantato Idalma di Pasquini, la versione italiana del Messiah di Händel e L’Olimpiade di Vivaldi. Si è esibita anche per il Theater an der Wien e per la Tchaikovsky Concert Hall di Mosca con Federico Maria Sardelli. È tornata a Innsbruck, per l’edizione 2024 del Festival, interpretando Cornelia in Cesare in Egitto di Giacomelli sotto la direzione di Ottavio Dantone. Tra gli altri successi recenti si ricordano: Rappresentatione di Anima, et di Corpo (Piacere) di Emilio de’ Cavalieri (direzione Giovanni Antonini, regia Robert Carsen) al Theater an der Wien, Rodelinda di Händel (Bertarido) al Teatro di Kiel. Ha cantato in Il ritorno di Ulisse in patria (Penelope) al Festival Monteverdi di Cremona e Orfeo (Speranza) di Monteverdi (direzione Ottavio Dantone, regia Pier Luigi Pizzi) al Ravenna Festival al Teatro Alighieri. Margherita Maria Sala ha debuttato con Akamus diretto da Francesco Corti nella rara Merope di Domenèch Terradella alla Staatsoper di Berlino, al Theater an der Wien, al Real di Madrid e al Liceu di Barcellona. È anche apparsa in concerto cantando The Messiah diretto da Franco Fagioli a Versailles e Barcellona, La Resurrezione (Cleofe) con Concerto Copenhagen per la Wiener Konzerthaus, Aci, Galatea e Polifemo (Galatea) per il Festival Händel di Halle, Gloria di Vivaldi e Magnificat di Bach per la direzione di Gianluca Capuano per il Festival Bach di Losanna, Requiem di Mozart, al fianco di Václav Luks, per il Rudolfinum di Praga e La Seine Musicale. Nella Stagione 2025-2026, debutta sia all’Opera di Francoforte in Amor vien dal destino di Steffani (Lavinia) con la direzione di Václav Luks e la regia di R. B. Schlather, sia al Teatro La Fenice di Venezia nel ruolo principale di Ottone in villa di Vivaldi. Collaborerà con Giulio Prandi e la sua Orchestra Ghislieri per una serie di concerti dedicati al 300° anniversario della morte di Alessandro Scarlatti, tra cui il Festival di Ambronay e l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e si riunirà con Akamus a Berlino in Marc’Antonio e Cleopatra di Hasse (Marc’Antonio).

Dal 14 luglio al 2 agosto a Martina Franca il 52° Festival della Valle d’Itria.

“Mediterraneo, culla del mito, crocevia di culture, mare che accoglie” è il tema scelto dalla direttrice artistica Silvia Colasanti per l’edizione del 2026.

La “Carmen” di Bizet nella versione originale 1874 ancora mai rappresentata al mondo, il dittico di primo Novecento “Pulcinella” di Stravinskij / “La favola di Orfeo” di Casella, la riscoperta del dramma in musica “Il schiavo di sua moglie” (1672) di Provenzale. E ancora concerti, incontri, approfondimenti per oltre 20 giorni di musica, dal Settecento ai giorni nostri, un viaggio musicale nel “Mare nostrum”, nel cuore della Valle d’Itria.

Mediterraneo, culla del mito, crocevia di culture, mare che accoglie: questo il tema del 52° Festival della Valle d’Itria che si terrà a Martina Franca (TA) e in alcuni luoghi del territorio pugliese dal 14 luglio al 2 agosto. Organizzato dalla Fondazione Paolo Grassi, il Festival è curato per il secondo anno dalla direttrice artistica e compositrice Silvia Colasanti che prosegue il percorso intrapreso nella precedente edizione: la musica riflette sul proprio presente e diviene strumento prezioso per leggere la realtà. Un impegno premiato recentemente anche con il prestigioso Premio della critica musicale italiana “Franco Abbiati“ che ha scelto Owen Wingrave, allestito nell’edizione passata, come “migliore iniziativa musicale” del 2025.

Fra opere, riscoperte, rarità, concerti e incontri, valorizzando nella scelta dei luoghi il ricco patrimonio storico-artistico e paesaggistico della Valle d’Itria, il Festival spazierà dal Settecento ai giorni nostri: un viaggio musicale nel Mare nostrum, scenario di miti, luogo di migrazioni e di incontri in cui si si intrecciano destini, culture e tradizioni. La musica sarà la voce che racconta queste storie e il Festival un’opportunità di crescita per il territorio che lo ospita e le persone che lo vivono.

LE DICHIARAZIONI

Michele Punzi, presidente della Fondazione Paolo Grassi di Martina Franca, ha parlato in conferenza stampa di «un festival sempre più unico, che non smetterà mai di cercare di stupire. Un festival, per sua natura, colto e dotato di visione e spirito internazionale, ma, al contempo, profondamente permeato nel tessuto sociale che lo ospita, capace di determinarne la crescita culturale e indirizzarne lo sviluppo sociale ed economico». Per far sì che ciò continui ad accadere, ha proseguito il presidente, «è necessario mantenere intatto il coraggio e la visione che ci ha condotti fino alla 52ª edizione, ma senza estraniarsi dagli scenari che ci circondano e che cambiano a ritmi vertiginosi. Questo è il percorso intrapreso con decisione negli ultimi anni e che trova esplicitazione evidente nel tema scelto quest’anno dalla direttrice artistica Silvia Colasanti».

«La riflessione sul presente, l’attenzione e il rispetto dei percorsi compositivi degli autori, lo spazio alla musica del XX e XXI secolo, la curiosità, l’ampliamento degli orizzonti culturali: così proseguo il percorso intrapreso nella precedente edizione del festival», ha spiegato la direttrice artistica Silvia Colasanti. «Il tema di quest’anno, Mediterraneo, scorre nelle opere e nei concerti presentandosi sotto diverse sfaccettature: il mito come radice e specchio della nostra identità, l’incontro prezioso tra culture differenti e lo scambio proficuo di idee che ne deriva, e infine l’accoglienza, il più solido e autentico tramite per l’assimilazione delle diversità. La musica ci pone domande, emoziona, incuriosisce, attraversando quattro secoli, con particolare attenzione al Novecento storico italiano ed europeo. Oggi il Mediterraneo è anche il luogo in cui si intrecciano storie e destini spesso drammatici. La musica è la voce che racconta queste storie, che sa esprimere speranze e paure di chi attraversa il mare in cerca di una vita migliore e il nostro festival vuole sollecitare una riflessione su questa complessità».

«Il festival della Valle d’Itria è uno degli appuntamenti storici della nostra regione, uno dei più identitari dal punto di vista culturale», ha commentato Silvia Miglietta assessora alla Cultura e Conoscenza della Regione Puglia. «Il lavoro di ricerca sul canto, sull’opera barocca e su titoli contemporanei è un patrimonio prezioso che ci permette di proporre al pubblico, e nel pieno della stagione estiva, composizioni eleganti nella bellezza della Valle d’Itria. Nei tempi incerti in cui le guerre condizionano le nostre vite, la musica ci ricorda i valori che sono alla base della convivenza civile; nel tema scelto, il festival costruisce ponti tra le sponde del mare e tra le diverse culture».

Sarà un festival «che rinnova il suo legame con la bellezza del nostro territorio attraverso il connubio fra musica e luoghi iconici», secondo Gianfranco Palmisano, sindaco di Martina e presidente della Provincia di Taranto, che ha fatto giungere in conferenza stampa il suo messaggio. «L’edizione 2026 – ha aggiunto – spinge lo sguardo verso un orizzonte più ampio che richiama le nostre radici millenarie. Il tema Mediterraneo, sinonimo di identità, storia e speranza, esprime il nostro auspicio che le tensioni internazionali si attenuino e, allo stesso tempo, richiama i Giochi del Mediterraneo, che in estate ci prepariamo a vivere da protagonisti come Città di Martina Franca e come Provincia di Taranto».

«In un contesto storico così frastagliato e diviso – ha aggiunto Carlo Dilonardo, assessore alle Attività Culturali del Comune di Martina Franca intervenuto in conferenza – il 52° festival ci porta ad analizzare in maniera più attenta e oculata le dinamiche sociali e politiche che rappresentano le sfide per la nostra società. Il teatro è il luogo in cui lo spettatore è innanzitutto un cittadino, in cui una comunità cresce, si alimenta, si confronta per proseguire la strada che la manifestazione percorre da più di mezzo secolo, garantendo a tutti noi uno spazio favorevole, privilegiato, protetto di formazione culturale, civile e sociale».

LE TRE NUOVE PRODUZIONI LIRICHE

Tre le nuove produzioni liriche che segnano l’edizione n. 52 del Festival di Martina Franca. Nella cornice di Palazzo Ducale martedì 14 luglio (ore 21, repliche il 26, 29 luglio e il 1° agosto) inaugura il dittico Pulcinella di Igor Stravinskij / La favola di Orfeo di Alfredo Casella, due lavori in un atto unico che reinterpretano il mito e la tradizione classica in chiave novecentesca e che ci porta alle radici della nostra cultura. Il primo, più noto, è un balletto con canto in un atto del 1920, che Stravinskij compose su commissione di Sergej Diaghilev per i Balletti russi, prendendo spunto dalle maschere della tradizione mediterranea e la musica di Pergolesi e del Settecento napoletano; il secondo, di rara esecuzione, è un’opera da camera in un atto, scritta da Casella nel 1932 su libretto di Corrado Pavolini dalla Fabula di Orfeo di Poliziano in cui si ripercorre il mito del cantore tracio, poeta tra i poeti. Regia e coreografia saranno di Jean Renshaw, artista anglo-tedesca già ospite del Festival; Nicolò Umberto Foron, promettente talento classe 1998, già affermato sulla scena internazionale e per la prima volta impegnato in Italia nella direzione di un’opera, guida l’Orchestra e il Coro del Teatro Petruzzelli di Bari, mentre la danza sarà affidata alla compagnia Eko Dance Project. Le voci principali, in entrambe le opere, sono di Chiara Mogini (Una driade/Mezzosoprano), Matteo Falcier (Orfeo/Tenore) e Roberto Lorenzi (Plutone/Basso).

Ancora a Palazzo Ducale il 25 luglio (ore 21, repliche il 28, 31 luglio, 2 agosto) per la Carmen di Georges Bizet. La celebre opéra-comique viene presentata nella partitura originale del 1874 come prima assoluta in forma scenica, restituendo al pubblico una versione mai rappresentata finora, grazie alla recente revisione critica di Paul Prévost per l’editore Bärenreiter. La partitura che sarà eseguita è quella originariamente predisposta dal compositore, prima che i dirigenti dell’Opéra Comique di Parigi chiedessero importanti cambiamenti. Fabio Luisi, direttore musicale del Festival, guida l’Orchestra e il Coro del Teatro Petruzzelli di Bari e il Coro di voci bianche della Fondazione Paolo Grassi offrendo per la prima volta nella sua lunga carriera la lettura del capolavoro di Bizet: regia, scene e costumi (questi ultimi insieme a Carla Galleri) saranno di Denis Krief, artista di grande e consolidata esperienza che torna a Martina Franca dopo una lunga assenza. Nel ruolo del titolo il mezzosoprano turco-tedesco Deniz Uzun, mentre il soprano moldavo Natalia Tanasii sarà Micäela; nel cast principale ritroviamo anche il tenore Matteo Lippi (Don José) e il baritono Alessandro Luongo (Escamillo).

Il schiavo di sua moglie (1672) dramma per musica in un prologo e tre atti di Francesco Provenzale, è la terza, nuova, produzione in scena il 24 luglio nel Chiostro del Carmine di Martina Franca (ore 21, repliche il 27 e 30 luglio). Confermando l’attenzione verso la riscoperta e le rarità del repertorio barocco, il Festival allestisce in prima esecuzione in tempi moderni una delle opere più celebri del musicista napoletano del Seicento, grazie al lungo lavoro di ricerca su Provenzale di Antonio Florio musicologo e direttore, alla guida del complesso barocco, da lui fondato, Cappella Neapolitana. Il cast sarà formato dagli allievi dell’Accademia del Belcanto “Rodolfo Celletti” che approfondiranno lo studio dell’opera nel loro percorso di perfezionamento; firma la regia Rita Cosentino, già apprezzata nella regia di due produzioni degli ultimi anni, nonché curatrice dei laboratori didattici del Festival, mentre i costumi sono di Carla Galleri.

Il MEDITERRANEO SECONDO BALIANI, UN NUOVO PROGETTO PER IL FESTIVAL

Alle tre produzioni liriche, si affianca un altro progetto ispirato al tema del Mediterraneo che il Festival ha commissionato a Marco Baliani, scrittore, attore e regista dedito a un teatro di ricerca e di impegno civile. Vennero da ogni dove. Narrar cantando umanità in cammino andrà in scena il 20 e 21 luglio al Chiostro di San Domenico (ore 21). Con Baliani ritroviamo la voce di Vincenzo Capezzuto, artista a tutto tondo, affiancato da Luciano Orologi (sax), Giancarlo Bianchetti (chitarra classica) e Marco Forti (contrabbasso), per uno spettacolo che è intreccio di musica, canzoni e racconti intorno al tema del viaggio per mare, viaggio che a volte è transito, altre volte fuga, altre volte ancora disperato tentativo di approdo.

I CONCERTI

Come di consueto, parte integrante saranno i numerosi concerti lirici, sinfonici e cameristici, che arricchiranno la programmazione del Festival valorizzando chiostri, basiliche, masserie, luoghi storici e di grande bellezza del barocco martinese e del territorio pugliese. Saranno tutti dedicati ad approfondire e a riflettere sul tema “Mediterraneo” e sulla musica dei compositori in cartellone.

Il Concerto dello Spirito alla Basilica di San Martino (17 luglio, ore 21) vedrà protagonista l’Orchestra ICO della Magna Grecia diretta da Giovanni Pelliccia (viola solista Francesco Peverini) con musiche di Stravinskij, Britten e la prima assoluta di Lamento dal mare del giovane compositore spagnolo Jorge Coll Navarro.

Il 19 luglio all’Orchestra dell’Accademia Teatro alla Scala (che torna a Martina Franca dopo essere stata nel 2025 l’orchestra di due produzioni del Festival) spetta il Concerto Sinfonico a Palazzo Ducale, diretta dal trentenne Diego Ceretta, solista l’affermata violinista Francesca Dego (musiche di Stravinskij, Schubert e Castelnuovo-Tedesco).

I tre Concerti del Sorbetto fra Chiostro di San Domenico e Chiostro delle Agostiniane (ore 18), ospitano il Quartetto Adorno (18 luglio) e il giovane violinista Paride Losacco (1° agosto) in un percorso nel Novecento storico italiano ed europeo, presentando pagine di Casella, Stravinskij e Ravel per quartetto d’archi e Petrassi, Stravinskij, Prokof’ev e Kurtág per violino solo. Gli artisti dell’Accademia del Belcanto “Rodolfo Celletti” con il pianista Francisco Manuel Soriano approfondiranno invece il ricco repertorio della musica vocale francese di Otto-Novecento, ruotando intorno alla celebre Habanera di Bizet (25 luglio).

Quattro infine gli appuntamenti (ore 21) di “Mediterraneo in musica” fra chiostri e masserie del territorio della Valle d’Itria: si inizia il 15 luglio a Cisternino, nella Chiesa Madre San Nicola, con il violoncellista Danilo Squitieri in un viaggio di più secoli che parte dalla Prima Suite di Bach fino ad Alone di Giovanni Sollima; il 16 luglio al Leonardo Trulli Resort di Locorotondo il Concerto del Mediterraneo e gli allievi dell’Accademia “Rodolfo Celletti”; il 22 luglio alla Masseria Palesi di Martina Franca Notturno Adriatico un concerto sul tema del mare nella musica del XX e XXI secolo con Francesco D’Orazio al violino e Liubov Gromoglasova al pianoforte; infine il 23 luglio Pino De Vittorio sarà protagonista di Tarantelle del rimorso al Chiostro di San Domenico, una serata dedicata al repertorio di tarantelle del Gargano e di canti del Sud Italia di cui De Vittorio, accompagnato dal chitarrista Marcello Vitale, è fra i maggiori interpreti.

IL CONVEGNO

In programma il 18 e 19 luglio il Convegno di studi “Riscoprire l’antico nel Novecento. Mito e Mediterraneo in Stravinskij e Casella”, con il coordinamento scientifico di Luca Aversano e in collaborazione con l’Associazione Docenti Universitari Italiani di Musica. Il convegno, presso l’Auditorium della Fondazione Paolo Grassi e in altre sedi, aperto a studiosi e momento di formazione per il pubblico del Festival, approfondisce le modalità attraverso cui gli immaginari dell’antico, del mito e del Mediterraneo si ri-compongono nella musica del Novecento, con particolare riferimento alle poetiche di Stravinskij e Casella, due autori in cui il dialogo con l’antico assume una valenza simbolica profonda.

IL FESTIVAL FRA PIAZZE E CONTRADE

Dopo il successo degli ultimi anni, anche quest’anno il Festival avrà la sua anteprima con la rassegna “In Orbita” (10-12 luglio, ore 21), approdando nelle piazze e contrade di Martina Franca. Due gli appuntamenti in programma: il 10 e 11 luglio Naufragi, uno spettacolo di teatro e musica liberamente ispirato a La tempesta di Shakespeare, prodotto dalla Fondazione Arturo Toscanini con cui la Fondazione Paolo Grassi rinnova la collaborazione: il Trio d’archi della Filarmonica Arturo Toscanini e gli attori della compagnia teatrale Anellodebole coinvolgeranno il pubblico che diventa parte dello spettacolo, stimolando la riflessione sul naufragio reale e metaforico, sul viaggio e sulla migrazione. In quartetto all’opera (12 luglio, Villa del Carmine), vedrà invece il pianista Francesco Libetta affiancarsi ai suoi allievi dei corsi della Fondazione Paolo Grassi – Christian De Nicolais, Simone Mao e Giovanni Mascia – in un programma di ampio respiro fra opere di Verdi e Mozart, sinfonie e valzer, fino al celebre Quartetto dal Rigoletto, tutto eseguito sul pianoforte: un solo strumento che si presta a essere suonato a due o quattro mani, ma anche a sei, otto, o con una mano sola.

Il 52° Festival della Valle d’Itria è organizzato da Fondazione Paolo Grassi con il sostegno di Ministero della Cultura, Regione Puglia, Puglia Promozione, Provincia di Taranto, Comune di Martina Franca, Comune di Cisternino, Camera di Commercio Brindisi-Taranto in collaborazione con Accademia del Belcanto “Rodolfo Celletti”, European Festivals Association, Opera Europa, ItaliaFestival, Cidim

Dal 3 all’8 giugno 2026 la IV Edizione della rassegna di musica antica al FARNESE FESTIVAL

COMPLESSO MONUMENTALE DELLA PILOTTA, PARMA

FARNESE FESTIVAL

Direzione artistica di Fabio Biondi

Un viaggio alla scoperta del ricercato repertorio musicale italiano ed europeo del XVII e XVIII secolo

insieme ai suoi più affermati interpreti

Si rinnova dal 3 all’8 giugno 2026, a Parma, l’atteso appuntamento con il Farnese Festival, rassegna internazionale di musica antica giunta alla sua quarta edizione. Ad ospitarla il Teatro Farnese e altri spazi situati nel Complesso monumentale della Pilotta. 

Prestigiosa rassegna incentrata sul repertorio musicale italiano ed europeo del XVII e XVIII secolo, il Farnese Festival vanta la direzione artistica di Fabio Biondi, violinista, fondatore e guida dell’ensemble Europa Galante, nasce da un’idea di Simone Verde, già direttore del Complesso monumentale della Pilotta.

L’iniziativa, patrocinata dal Comune di Parma, è promossa dal Complesso monumentale della Pilotta con la collaborazione organizzativa di Fondazione Teatro Due e si avvale del contributo del main donor Fondazione Monteparma e del sostegno di Opem spa.

«In questo quarto anno di Farnese Festival – dichiara Fabio Biondi, direttore artistico – approdiamo finalmente ad una consistente presenza internazionale relazionata ad una tematica che speriamo possa proseguire anche nei prossimi anni. La relazione tra Parma e le grandi culture artistiche europee; dalla Spagna (tema di quest’anno) alla Francia, Austria ed altre realtà musicali che ci accompagneranno in questa avventura straordinaria».

«Alla sua quarta edizione, il Festival conferma la sua vocazione internazionale – afferma Stefano L’Occaso, direttore del Complesso monumentale della Pilotta – in linea con gli indirizzi della Pilotta e guidando la Pilotta stessa verso l’apertura alla musica, che è una delle arti che hanno conformato questo straordinario luogo della cultura. Le melodie barocche – alcune ben note e altre riscoperte per quest’occasione – daranno vita alle imponenti sale della Pilotta, pronta ad accogliere ancora una volta un vasto, appassionato e competente pubblico. La passione e la maestria di Fabio Biondi sono l’ossatura di questa manifestazione, generosamente sostenuta da Monteparma: a entrambi va la mia più sincera gratitudine».

«Fondazione Monteparma – afferma Mario Bonati, presidente di Fondazione Monteparma – rinnova con entusiasmo il proprio sostegno al Farnese Festival, iniziativa di respiro internazionale, giunta alla IV edizione, la cui direzione artistica è affidata al Maestro Fabio Biondi. Grazie ad un programma di musica antica che si rinnova ogni anno, la rassegna, che si avvale della collaborazione del Complesso monumentale della Pilotta, contribuisce a valorizzare il patrimonio storico, artistico e musicale di Parma, sapendo coniugare molteplici suggestioni per offrire al pubblico un’esperienza immersiva e multisensoriale che mette in dialogo la grande musica del passato con gli spazi monumentali che la ospitano».

«Sostenere il Farnese Festival  – prosegue Ombretta Sarassi, general manager di Opem spa –  significa per Opem investire nella bellezza e nell’identità del nostro territorio. Come azienda, crediamo fermamente che lo sviluppo economico debba camminare di pari passo con la crescita culturale: partecipare a questa quarta edizione non è solo un atto di mecenatismo, ma la condivisione di un progetto che proietta Parma in una dimensione internazionale di altissimo profilo, grazie al linguaggio universale della musica antica e alla maestria di Fabio Biondi».

«Questa nuova e quarta edizione del Farnese Festival impreziosirà la proposta culturale cittadina – sottolinea il Vice Sindaco Lorenzo Lavagetto con delega a Cultura e Turismo – con una programma forse unico al mondo dove saranno armonicamente ed in maniera straordinaria unite le raffinate architetture lignee del Teatro Farnese e le migliori tradizioni musicali europee di cui Parma è testimone e custode e a cui l’Assessorato alla Cultura del Comune offre il suo patrocinio con molto orgoglio».

Stupire per magnificenza e grandiosità. Questo il desiderio dei Farnese da cui nasce il Teatro che porta il loro nome. Uno scrigno di meraviglia costruito, nella forma di teatro all’antica, negli anni tra il 1616 e il 1618, per volere di Ranuccio I, quarto duca di Parma e Piacenza. Stupire per magnificenza e grandiosità. Un intento che perfettamente si coniuga con il repertorio musicale coevo, focus della programmazione del Farnese Festival. Che prosegue nella sua accurata quanto affascinante indagine sulla produzione musicale di autori legati a Parma e al suo Ducato nel XVII e XVIII secolo. Muovendo dalla corte dei Farnese alle grandi culture musicali europee del tempo ad iniziare da quella spagnola.

Ad inaugurare questa IV edizione, mercoledì 3 giugno, alle ore 20.30, l’ensemble Europa Galante, tra i più autorevoli interpreti del repertorio musicale barocco che, proprio al Teatro Farnese, proporrà sotto la guida di Fabio Biondi, l’”Oratorio Santa Clotilde” di Francesco Corselli (1705-1778). Ultima opera del compositore scritta in terra italiana, a Parma nel 1733, prima del trasferimento alla corte di Madrid. I primi successi artistici di Corselli, allievo di Geminiano Giacomelli, risalgono infatti al suo periodo al servizio della famiglia Farnese come maestro della cappella ducale e della chiesa di Santa Maria della Steccata tra il 1727 e il 1732. Un’opera che rappresenta un importante punto di contatto tra Italia e Spagna, narrando la vicenda della conversione di Clodoveo I, re dei Franchi, grazie alla moglie Clotilde – futura santa e figura cara alla dinastia dei Borbone. Protagoniste saranno le voci di Lucia Cortese, Clotilde, Giuseppina Bridelli, Clodoveo, Vivica Genaux, San Remigio e Luca Tittoto, Aureliano, insieme al Coro Città di Parma 

Si prosegue giovedì 4 giugno alle ore 20.30 alla Biblioteca Palatina con “Contrasti”, programma che proponendo canzoni spagnole che attraversano quattro secoli, dal XVI al XX, nelle pagine di autori tra cui Alonso Mudarra (1510-1580), José Marín (1618-1699), Fernando Obradors (1896-1945) e Manuel de Falla (1876-1946), mette in dialogo due espressioni fondamentali della musica spagnola, lontane nel tempo ma profondamente connesse. Un percorso affidato al soprano Alicia Amo che, in un viaggio dal Rinascimento al Novecento, coinvolge Giangiacomo Pinardi, al liuto e alla chitarra barocca, ma anche Miriam Cantero, cantaora dalla voce di velluto, protagonista di un intenso flamenco insieme alla chitarra di Rodrigo Fernández.

Venerdì 5 giugno alle ore 18.00 al Teatro Due va in scena “Il dialogo dei cani”, creazione in musica per strumenti, attori e attrici, a partire da due racconti di Miguel de Cervantes tratti dalla raccolta Novelle esemplari, adattati da Elisa Ciofini su musiche di Mauro D’Alay. Nel Matrimonio ad inganno, l’alfiere Campuzano vittima di un raggiro matrimoniale racconta al medico di aver sentito due cani parlare, così dalla trascrizione di questo dialogo nasce Il dialogo dei cani, dove il cane Berganza narra all’amico cane Scipione le sue avventure picaresche tra macellai, streghe, zingari, sbirri e mercanti. Lo spettacolo coinvolge Fabio Biondi, al violino, e Paola Poncet, al clavicembalo, insieme all’Ensemble Teatro Due in un’interazione tra la musica di Mauro D’Alay – detto il Maurino, vissuto a Parma tra il 1687 e il 1757, compositore e violinista presso la Cappella Reale di Spagna dal 1725 al 1728 e presso la chiesa di Santa Maria della Steccata di Parma tra il 1729 e il 1739 – e la scrittura straniante, ambigua e divertente di Cervantes.

Ancora venerdì 5 giugno, ma alle ore 20.30, il Teatro Farnese torna a fare da scenario, questa volta alle suggestioni di “Due secoli di musica spagnola”. A proporre un programma interamente dedicato al Sei e Settecento spagnolo in musica, l’ensemble MUSIca ALcheMIca, sotto la direzione della violinista Lina Tur Bonet. Un intreccio di raffinatezza colta e vitalità popolare che attraversa le sonorità della Spagna barocca, dalle danze brillanti di autori come Gaspar Sanz (1640-1710) e Juan Bautista José Cabanilles (1644-1712) alle invenzioni strumentali di Bartolomé de Selma y Salaverde (1580-1640). Accanto a cui si collocano, compositori italiani profondamente legati alla penisola iberica per vita e stile come Andrea Falconiero (1585/6-1656), Domenico Scarlatti (1685-1757) e Luigi Boccherini (1743-1805)

Sabato 6 giugno alle ore 18.00 ad ospitare “Ensaladas Musicales alla corte di Alessandro IV Farnese” è la Biblioteca Palatina. Con un programma che spazia dalle opere di noti compositori iberici eseguiti nell’ambiente musicale frequentato da Alessandro III Duca di Parma e Piacenza e IV Duca di Castro, durante il suo periodo di reggenza dei Paesi Bassi e dell’Alto Lazio, fino ai maestri del Seicento napoletano. Pagine tratte dal Cancionero de Palacio (antologia di autori vari del XVI secolo, polifonie popolari e di corte a 3 e 4 voci) ed altri compositori, tra cui Antonio de Cabezòn (1510-1566), Diego Ortiz (1510ca-1570ca) e Bernardo Storace (1637ca-1707ca). Le sonorità brillanti del luminoso rinascimento spagnolo e il languore elegante dalla Magna Grecia rivivono nell’interpretazione dell’ensemble vocale e strumentale Allabastrina, sotto la direzione di Elena Sartori.

La programmazione di sabato 6 giugno prosegue al Teatro Farnese alle ore 20.30 con “Bach, non sei solo!”. Una sorta di ironico gioco di parole – riferimento al titolo del manoscritto autografo delle bachiane Sonate e Partite, Sei Solo a Violino senza Basso accompagnato – introduce un viaggio in musica che accompagna l’uditorio partendo da originali e ricostruzioni di Concerti solistici per più violini (BWV 1043, BWV 1064R), o per oboe d’amore (BWV 1055R) di Johann Sebastian Bach (1685-1850), fino al celeberrimo Concerto per oboe di Alessandro Marcello (1683-1747). Protagonisti, Amandine Beyer, violino e direzione, e Gli Incogniti, ensemble da lei fondato nel 2006, il cui nome prende ispirazione dall’Accademia degli Incogniti, circolo artistico e accademico tra i più attivi e libertari nella Venezia del XVII secolo. Il cui spirito – il gusto per l’ignoto unito a quello per la sperimentazione, la ricerca e la riscoperta – anima tutt’oggi Gli Incogniti.

Con “Parmigiani in Spagna”, domenica 7 giugno alle ore 18.00, ospite della Sala della Musica – Complesso monumentale della Pilotta sarà La Compagnia de Violini, fondata dal violinista Alessandro Ciccolini ed il cui nome evoca un ensemble strumentale attivo nella Parma farnesiana di inizio XVII secolo. Caratterizzata da un coinvolgimento attivo nella gestione, l’organizzazione del gruppo, così come i progetti concertistici, di alcuni dei migliori ex allievi del Dipartimento di Musica Antica del Conservatorio “Arrigo Boito” di Parma. Loro sarà la lettura di pagine di autori originari di Parma che con la Spagna incrociarono i propri destini a ragione delle “vicende geopolitiche” del tempo. Come Fortunato Chelleri (1690 ca-1757), Mauro D’Alay (1687ca-1757) e Girolamo Sertori (1692ca-1772), originario di Parma, che visse in Spagna, nella città di Pamplona, tra il 1758 e il 1760.

È dedicata al primo Orfeo, Francesco Rasi (1574-1621), “la voce dell’alba barocca”, e alla sua riscoperta la serata “Oltre Orfeo”, prevista per domenica 7 giugno alle ore 20.30 al Teatro Farnese. Appuntamento annuale con Monteverdi, figura che ha inaugurato il Farnese, di cui protagonista sarà l’ensemble Polifem Consort, sotto la guida di Jordi Domènech, insieme alle voci dei baritoni Furio Zanasi e Ferrán Albrich. In programma celebri pagine strumentali di autori coevi e del repertorio vocale che l’ha visto interprete, tra cui Salomone Rossi (1570-1630), Claudio Monteverdi (1567-1643), Jacopo Peri (1561-1633) e Marco da Gagliano (1582-1643). Francesco Rasi, cantante, tiorbista, poeta e compositore, fu una figura centrale del primo barocco italiano. Celebre per il suo virtuosismo vocale e per la straordinaria espressività interpretativa fu protagonista delle più importanti produzioni musicali del suo tempo. Interprete d’eccezione nelle prime rappresentazioni de La Dafne di Marco da Gagliano ma, soprattutto, indissolubilmente legato al ruolo del titolo ne L’Orfeo di Claudio Monteverdi.


A chiudere la IV edizione del Farnese Festival, lunedì 8 giugno alle 20.30 al Teatro Farnese, come in un atteso “da capo”, i medesimi protagonisti dell’apertura, l’ensemble Europa Galante e Fabio Biondi, nella duplice veste di violino e direttore. In “Sinfonie di Luigi Boccherini”, programma monografico interamente dedicato alla virtuosistica ed estrosa scrittura del compositore e violoncellista, lucchese di nascita (1743-1805), di cui saranno eseguite la celeberrima Sinfonia n. 6 “La casa del diavolo” e la Sinfonia “concertante” in do maggiore op.10 n. 4, G523. Pagine orchestrali che riflettono il gusto elegante ed il raffinato equilibrio formale tipici del compositore italiano, profondamente legato alla cultura musicale spagnola. Nonché oggetto di attenzione di una significativa parte dell’attività concertistica e discografica di Europa Galante

BIGLIETTI SINGOLI

Teatro Farnese – Intero 35,00€

Concerti e spettacoli pomeridiani € 25,00

Amici della Pilotta, amici dei musei, studenti e under 18 € 12,00

CARTE

carta scalare 5 ingressi concerti Teatro Farnese € 140,00

carta scalare 4 ingressi concerti e spettacoli pomeridiani € 70,00

carta scalare 4 ingressi (due concerti Teatro Farnese + due concerti e spettacoli pomeridiani) € 90,00

I biglietti sono in vendita dal 25 marzo 2026

–              sul sito www.farnesefestival.it

–              presso la Biglietteria di Fondazione Teatro Due in Borgo Salnitrara, 12/a, dal lunedì al sabato dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 17.00 alle 19.00

–              accesso diretto all’acquisto con QR Code:

–              presso la biglietteria del Complesso monumentale della Pilotta a partire da un’ora prima dell’inizio dei concerti

Informazioni e prenotazioni: biglietteria@teatrodue.org – Tel. 0521 230242

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Programma Farnese Festival 2026

IV Edizione

3 GIUGNO 2026

ore 20.30 | Teatro Farnese

ORATORIO “SANTA CLOTILDE” (Parma 1733)

di Francesco Corselli (1705-1778)

Europa Galante

Fabio Biondi, violino e direzione

Lucia Cortese, Clotilde 

Giuseppina Bridelli, Clodoveo

Vivica Genaux, San Remigio   

Luca Tittoto, Aureliano   

Coro Città di Parma 

4 GIUGNO 2026

ore 20.30 | Biblioteca Palatina

CONTRASTI

Canzoni spagnole degli ultimi V secoli

alternate a pezzi di flamenco classico

Alicia Amo, soprano

Miriam Cantero, cantaora

Rodrigo Fernandez, chitarra

Giangiacomo Pinardi, liuto e chitarra barocca

Cancionero de Uppsala (1556) Ay, luna que reluzes

Alonso Mudarra (1510-1580) Claros y frescos ríos

Cancionero de Turín (S. XVI-XVII) Ay, amargas soledades (Lope de Vega)

José Marín (1618-1699) Ojos, pues me desdeñáis  
Juan Arañés (1649) Dígame un requiebro

Juan Hidalgo (1614-1685)

× Ay, que me río de amor

× La noche tenebrosa
× Esperar
× Ay, que sí, ay, que no

× Trompicábalas Amor

Manuel García Morante (1937) Durme, durme

Fernando Obradors (1896-1945) Del cabello más sutil

Manuel de Falla (1876-1946)Nana

Federico García Lorca (1898-1936)

× Tres morillas

× Nana de Sevilla
× Anda, jaleo
× Zorongo gitano

× Milonga de la “Niña de la Puebla”

⁠× Alegrías 

⁠× Saeta 

× Bulería “Maja Aristocrática” (de la “Niña de los Peines)

× Tangos Extremeños

5 GIUGNO 2026 

ore 18.00 | Teatro Due

IL DIALOGO DEI CANI

Da Novelle esemplari di Miguel de Cervantes

Adattamento di Elisa Ciofini

Musiche di Mauro D’Alay (1687ca-1757)

Fabio Biondi, violino

Paola Poncet, clavicembalo

Con e a cura degli Attori dell’Ensemble Teatro Due

Produzione Fondazione Teatro Due 

ore 20.30 | Teatro Farnese

DUE SECOLI DI MUSICA SPAGNOLA

MUSIca ALcheMIca 

Lina Tur Bonet, violino e direzione

Bartolomé de Selma y Salaverde (1580-1640) Sonata Terza

Juan Bautista José Cabanilles (1644-1712) Gallardas de primer Tono 

Andrea Falconiero (1585/6-1656)

× Folías

× La Soave Melodia e la sua Corrente

× Battalla de Barabaso yerno de Zatanás

Gaspar Sanz (1640-1710) Canarios

Giovanni Pandolfi Meali (1624-1670) La Vinciolina

Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonata in re minore K.90

Luigi Boccherini (1743-1805) Quintetto n. 4 in re maggiore per due violini, viola, violoncello e chitarra G 448 “Fandango”

6 GIUGNO 2026

ore 18.00 | Biblioteca Palatina

ENSALADAS MUSICALES

Moresche, Passagagli e Villancicos alla corte di Alessandro Farnese, IV Duca di Castro

Allabastrina

Elena Sartori, cantus, clavicembalo, direzione

Mauro Collina, tenor
Mauro Cristelli, tenor solo
Nicolo’ Roda, contratenor e bassus

David Brutti, cornetto
Elena Bianchi, flauti e dulciana

Fabiano Merlante, liuto, tiorba e chitarre
Flavio Spotti, percussioni storiche

dal Cancionero de Palacio (autori vari, antologia del secolo XVI), polifonie popolari e di corte a 3 e 4 voci

× Durandarte
× Serrana

× Una montanna pasando – Ave color vini
× Sedano
× La Medina

× Badajoz
× Muy triste vida
× Madrid
Antonio de Cabezòn (1510-1566) Diferencias sobre la Gallarda Milanesa

Bernardo Storace (1537ca-1707ca)Passagaglio
Juan Bautista José Cabanilles (1644-1712), Juan Hidalgo (1614-1685), Diego Ortiz (1510ca-1570ca) Danze strumentali

ore 20.30 | Teatro Farnese

BACH, NON SEI SOLO!

Gli Incogniti

Amandine Beyer, violino e direzione




Johann Sebastian Bach (1685-1750) Concerto in la maggiore per oboe d’amore, archi e basso continuo BWV 1055R

Johann Sebastian Bach Concerto in re minore per due violini, archi e basso continuo BWV 1043

Alessandro Marcello (1683-1747) Concerto in re minore per oboe, archi e basso continuo S.Z 799  

Johann Sebastian Bach Concerto in re maggiore per tre violini, archi e basso continuo BWV 1064R

7 GIUGNO 2026

ore 18.00 | Sala della Musica – Complesso monumentale della Pilotta

PARMIGIANI IN SPAGNA

La Compagnia de Violini

Paola Valentina Molinari, soprano

Alessandro Ciccolini, primo violino
Domenico Scicchitano, Davide Medas, Matteo Carigi, Elia Torreggiani, violini

Francesca Camagni, viola
Giulia Gillio Gianetta, violoncello
Patxi Montero, violone
Francesco Baroni, clavicembalo

Fortunato Chelleri (1690-1757) Sinfonia dall’opera “L’innocenza difesa dai Numi” (1722)

Sinfonia dall’oratorio “Dio sul Sinai” (1731)

Introduzione e Fuga in sol minore per archi

Sinfonia in si bemolle maggiore

Mauro D’Alay (1687ca-1757) Concerto in re maggiore per violino, archi e basso continuo, op. 1 n. 5

Concerto in re minore per due violini, archi e basso continuo

Girolamo Sertori (1692ca-1772)Tre Arie da “Divertimenti Musicali per Camera” (Pamplona, 1758)

× “Tortorella”

× “A te do l’ultimo amplesso”

× “Tu mi disprezzi ingrato” da Semiramide riconosciuta

ore 20.30 | Teatro Farnese

OLTRE ORFEO

Polifem Consort

Jordi Domènech, direttore

Furio Zanasi, baritono

Ferrán Albrich, baritono

Salomone Rossi (1570-1630) Sinfonia prima da “Il terzo libro de varie sonate…”      

Claudio Monteverdi (1567-1643) “Rosa del ciel” e “Tu sei morta“ da L’ Orfeo (1607)

Salomone Rossi Sinfonia undecima e Duetto Apollo-Orfeo        

Claudio Monteverdi “Interrotte speranze” e “O sia tranquillo”           

Franceso Rasi (1574-1621)
“Indarno Febo” e “Ahi, fuggitivo ben”                 

Salomone Rossi Sinfonia nona da “Il terzo libro de varie sonate…”    

Claudio Monteverdi – Jordi Domènech Ricostruzione immaginaria del prologo de L’Arianna


Jacopo Peri (1561-1633) “Nel pur ardor” da L’Euridice (1600)                     

Marco da Gagliano (1582-1643) “Non curi la mia pianta” da La Dafne (1608)           

Biagio Marini (1594-1663) La Bemba, Canzone a 2 da “Affetti musicali, op. 1”           

Sigismondo d’India (1582-1629) “Chi nutrisce” e “Alla guerra”        

8 GIUGNO 2026

ore 20.30 | Teatro Farnese

SINFONIE DI LUIGI BOCCHERINI 

Europa Galante

Fabio Biondi, violino e direzione

Luigi Boccherini (1743 -1805) Sinfonia n. 4 in re minore, op. 12 G 506 “La casa del diavolo”


Sinfonia Concertante in do maggiore G 523 

VISITE GUIDATE GRATUITE AL FILARMONICO PER LA GIORNATA MONDIALE DEL TEATRO 2026

Fondazione Arena di Verona celebra la Giornata Mondiale del Teatro. Le porte del Filarmonico si aprono per far scoprire al pubblico spazi e stanze dove nascono le arti e i mestieri della messinscena. Venerdì 27 e sabato 28 marzo sarà possibile partecipare gratuitamente alle visite guidate in Teatro. Due i turni, da 20 persone ciascuno, previsti in entrambe le giornate: alle 10 e alle 11.30. Per partecipare non serve iscrizione, basta presentarsi alla biglietteria di via Roma quindici minuti prima dell’inizio del turno desiderato. L’ingresso è libero fino ad esaurimento dei posti disponibili.

L’iniziativa, proposta per la prima volta nel 2025 per i 50 anni dalla riapertura del Teatro, da quest’anno è un’attività stabile del Filarmonico. Oltre a queste due giornate straordinarie di visita, per tutto il 2026 proseguiranno gli appuntamenti de Le Stanze della Musica, prenotabili online su www.arena.it al prezzo simbolico di 5 euro (3 euro ridotti over65 e under30).

Durante le visite guidate il pubblico viene accompagnato a scoprire spazi noti e meno noti del Teatro Filarmonico, le sue collezioni, i segreti del palcoscenico e dietro le quinte, dove i complessi artistici e tecnici della Fondazione si formano tutto l’anno, prima e dopo il Festival areniano. Per tutti, un’occasione unica e imperdibile di scoprire un gioiello nel cuore della città di Verona.

La Giornata Mondiale del Teatro celebra dal 1962 il ruolo culturale, sociale ed etico del teatro e delle arti sceniche, affidando ogni anno una riflessione ad un maestro della scena contemporanea. Per il 2026 il messaggio viene dall’attore e regista Willem Dafoe, direttore Artistico della Biennale Teatro di Venezia: «In un mondo che sembra diventare sempre più divisivo, autoritario e violento, la nostra sfida come creatori teatrali è quella di evitare la corruzione del teatro in una mera impresa commerciale, dedita all’intrattenimento attraverso la distrazione, o in un arido custode istituzionale delle tradizioni, ma piuttosto la nostra sfida è di promuoverne la forza di connettere popoli, comunità, culture e soprattutto di interrogarci su dove stiamo andando…» (fonte: MiC, 5 /3/2026).