Al Teatro San Carlo il “Premio al merito civico 2023” della Regione Campania per la solidarietà e l’inclusione delle persone con disabilità.
La targa sarà consegnata domani venerdì 1 dicembre dalle ore 10 presso l’Auditorium della Regione Campania Isola C3, Centro Direzionale di Napoli alla presenza dell’Avvocato Paolo Colombo, Garante dei diritti dei disabili della Regione Campania, e Gennaro Oliviero Presidente del Consiglio Regionale della Campania.
“Questo riconoscimento così importante nella giornata internazionale della disabilità – afferma il Sovrintendente Stéphane Lissner – sottolinea l’impegno costante e la dedizione del nostro Teatro nel creare un ambiente artistico accessibile e accogliente per tutti i membri della comunità implementando percorsi ducativi sempre più inclusivi, come quello del progetto Il Museo del Teatro di San Carlo: accessibilità e inclusione, che guarda al futuro della progettazione culturale grazie all’implementazione delle tecnologie innovative applicate alla valorizzazione e alla fruizione del patrimonio culturale, con una visione sempre più orientata all’abbattimento delle barriere non solo fisiche ma anche cognitive e sensoriali, per una concreta attuazione del diritto di accesso per tutti ai luoghi della cultura, comprese le persone con disabilità e in particolare dei visitatori ciechi e ipovedenti, nel rispetto degli standard di qualità dei servizi museali regionali”.
ll MeMus ha programmato in un precedente progetto realizzato nel 2020/2021 l’avvio della propria trasformazione radicale in Museo totalmente accessibile ed inclusivo, a partire dalla creazione di pannelli storici e di segnaletica orientativa con traduzione in lingua Braille.
Con la seconda fase del progetto, condotta nel 2021/2022, ha quindi inteso ampliare l’accessibilità del suo patrimonio storico artistico attraverso nuovi e più specifici progetti di inclusione e diffusione in collaborazione con istituzioni e associazioni che da tempo lavorano ad una fruizione ampliata del patrimonio, con particolare attenzione ai visitatori ciechi e ipovedenti. Pertanto è stata avviata una proficua collaborazione con la rete “Campania tra le mani” e con “il Libro Parlato” dell’UIC, con esperti di Lingua LIS per sordi, con esperti e con varie istituzioni specializzate del territorio e a livello nazionale.
Ai due precedenti, ha fatto seguito un terzo intervento del progetto di accessibilità e inclusione del MeMus, condotto nel 2022, che ha consentito di potenziare ulteriormente l’accessibilità e la diffusione del patrimonio attraverso strumenti didattici e divulgativi di grande attualità ed efficacia, grazie alla creazione di strumenti didattici e divulgativi del patrimonio e più in generale dell’opera in musica a bambini e ragazzi, in particolar modo inglobando giovani con disabilità e problemi di inclusione sociale.
Il Teatro di San Carlo ringrazia la Regione Campania per questo premio significativo e rinnova il suo impegno a promuovere un’arte inclusiva e accessibile a tutti.
Una serata evento assieme a sponsor, sostenitori e 67 Colonne. Ieri sera, per la prima volta, il palcoscenico del Teatro Filarmonico è divenuto sede suggestiva di una cena di Gala, a scopo solidale.
Erano presenti il Sindaco di Verona e Presidente di Fondazione Arena Damiano Tommasi, il Sovrintendente Cecilia Gasdia, il Vice Direttore artistico Stefano Trespidi, il Marketing Principal Consultant Andrea Compagnucci.
Nato nel 2021 nel pieno della pandemia, con il sostegno dei due soci Fondatori Pastificio Rana e Gruppo Calzedonia, per ricostruire idealmente l’abbraccio di imprese, sponsor e sostenitori intorno all’Arena, il progetto di fundraising e corporate membership 67 Colonne per l’Arena di Verona è cresciuto di anno in anno riscuotendo consensi e riconoscimenti internazionali quale case history del mecenatismo culturale italiano. Nel 2023 Fondazione Arena ha ricevuto da sponsorizzazioni e donazioni in art bonus 1 milione di euro in più rispetto al 2022 raggiungendo così il livello più alto di finanziamento privato della sua storia recente. Per il 2024, annunciato l’ingresso di un nuovo sponsor: Consorzio di Tutela dell’Aceto Balsamico Tradizionale di Modena DOP. Da ieri sera, inoltre, sono aperti fino al 15 aprile i rinnovi delle adesioni, con prelazione, delle 67 Colonne.
Cena e asta di beneficenza. Ben 25 tavoli che hanno accolto gli ospiti della serata, deliziati dai piatti dello chef Massimo Mezzari e dagli allestimenti floreali di Flover. Lungo la parete un enorme specchio, a riflettere il teatro, con al centro le persone, arricchito dalle statue de La Traviata di Zeffirelli e i lampadari di Capuleti e Montecchi. Una vera e propria scenografia per uno ‘spettacolo’ che ha visto protagonisti gli ospiti. Ad arricchire il programma, il Tenore Matteo Mezzaro e il Soprano Enkeleda Kamani che hanno interpretato alcuni brani di Verdi e Puccini, accompagnati al pianoforte dal Sovrintendente Cecilia Gasdia. E l’asta di beneficenza con il ‘Mercante in Fiera’, grazie alla quale sono stati raccolti 5.400 euro che verranno devoluti al progetto “Saving Lives” di Metinvest per attività all’interno di un campus per bambini in Ucraina. Ad ogni carta corrispondeva uno scatto del Centesimo Festival che gli ospiti hanno potuto ritirare alla fine, a ricordo della stagione dei record. Le tre carte vincenti si sono aggiudicate i biglietti per gli eventi 2024 Bolle And Friends, IX Sinfonia di Beethoven e per la Star Roof che sarà riproposta anche la prossima estate.
Risultati 2023. La serata di ieri è stata l’occasione per ribadire il ruolo centrale di Fondazione Arena all’interno dell’economia della città e, più in generale, di tutto il territorio. Il 100° Opera Festival ha fatto registrare il miglior incasso di sempre per un totale di 33.048.000 euro e un aumento di presenze pari a 59.584 spettatori rispetto al 2022, raggiungendo quota 402.722. Con il record di incasso medio a serata: 675 mila euro, rispetto ai 523 mila del 2019. In crescita anche la media delle presenze a spettacolo che si è attestata, per la prima volta nella storia del Festival, a quota 8.400. Confermata anche l’internazionalità del pubblico, proveniente da 125 Paesi del mondo. Un successo senza pari grazie al lavoro di 1.421 persone, dalla sartoria, ai laboratori, fino ai portastrumenti. E cast internazionali con le star della lirica. Miglior dato di sempre anche quello che riguarda il coinvolgimento dei media nazionali e internazionali: le testate ed emittenti accreditate sono state infatti 285, per un totale di 1434 presenze. E sono stati più di 6.000 gli articoli e i servizi dedicati al Festival tra web, carta stampata, radio e tv. L’Arena sui social ha fatto il giro del mondo: a fine Festival, i canali Facebook e Instagram hanno raggiunto quasi 47 milioni di contatti, con 16 mila ore di visualizzazioni dei video: la sola pagina Instagram ha raggiunto più di 12 milioni di account, crescendo del 166% rispetto al 2022.
Numeri importanti ottenuti grazie al contributo degli sponsor di lungo corso, in primis UniCredit, che vanta una longevità di collaborazione di oltre 25 anni, e poi Calzedonia, Pastificio Rana, Volkswagen Group Italia, DB Bahn, RTL 102.5. Alla compagine degli official sponsor si sono aggiunti quest’anno Forno Bonomi, Metinvest/Saving Lives, Genny, che ha firmato le nuove divise del personale adibito all’accoglienza del pubblico e Müller, che ha sostenuto i progetti di accessibilità dedicati alle persone con disabilità. Tra gli official partner, a marchi storici quali Veronafiere, Air Dolomiti, A4 Holding, Casa Sartori, SABA Italia, SDG Group e al Cultural Partner Palazzo Maffei, si sono aggiunti Acqua Dolomia, Sanagol e Mantova Village. Un ringraziamento doveroso va naturalmente anche a imprese, privati, ordini professionali che compongono la schiera della Membership 67 Colonne per l’Arena di Verona, fondata da Gianluca Rana dell’omonimo pastificio e da Sandro Veronesi, patron del Gruppo Calzedonia, con il Gruppo Athesis, media partner. Così come al Main Sponsor per la Stagione Artistica 2023 al Teatro Filarmonico BCC di Verona e Vicenza Credito Cooperativo.
Damiano Tommasi, Sindaco di Verona e Presidente della Fondazione Arena:
“Grazie per lo spirito con cui è stata pensata e realizzata questa iniziativa di fundraising e corporate, è quello che serve a Fondazione Arena, così come alla città, per non essere e sentirsi mai sola davanti alle sfide future. Credo che l’obiettivo di tutti noi sia partecipare ed essere protagonisti di questa magnifica esperienza che l’Arena vive e propone da oltre cento anni. Sono davvero grato alle vostre esperienze personali, familiari e aziendali, sostenendo Fondazione Arena dimostrate un affetto e un legame non solo verso la parte artistica e il Festival ma anche verso la nostra città. Mi auguro che la Fondazione, così come è stato fino ad oggi, continui ad essere all’altezza della vostra fiducia e del vostro attaccamento, affinché insieme si possano affrontare le sfide e continuare ad alzare l’asticella. All’orizzonte abbiamo le Cerimonie Olimpiche, ci accorgeremo tra qualche anno cosa significherà averle a Verona, noi ci prepareremo al meglio per accoglierle e per vivere questa esperienza, non solo dal punto di vista sportivo”.
Cecilia Gasdia, Sovrintendente di Fondazione Arena:
“Questi numeri ci raccontano cosa siamo riusciti a fare, tutti assieme. Sta iniziando il quarto anno di questo progetto di fundraising, e ringrazio tutti per la lungimiranza e la tenacia che avete dimostrate e con la quale avete abbracciato con grande amore l’Arena del mondo, e l’opera, il primo grande esempio di Made in Italy. Le 67 Colonne sono state un’occasione storica che non abbiamo perso, per la cultura e per la città. Per salvaguardare e diffondere la storia, la conoscenza, la tradizione dell’Arena, il teatro all’aperto più grande del mondo. Gli sponsor e i sostenitori sono fondamentali e i risultati ottenuti nell’ultimo anno ne sono la dimostrazione. Siamo davvero orgogliosi del percorso fatto assieme e non vediamo l’ora di condividere con entusiasmo i progetti e le importanti notizie che ci attendono nel prossimo futuro”.
Stefano Trespidi, Vice Direttore artistico di Fondazione Arena:
“Anche voi siete l’Arena, il teatro è fatto di persone, per questo abbiamo voluto mettere al centro i nostri ospiti in questa serata all’insegna della solidarietà. Ripercorriamo assieme i record dell’ultimo Festival, numeri importanti che non hanno precedenti nella storia di Fondazione Arena. Un’impresa frutto del lavoro di tantissime persone, con una specifica preparazione tecnica e professionale. Non solo professori d’Orchestra, Cantanti e artisti, tra cui mimi e comparse, ma anche tecnici, sarti, portastrumenti,maschere. Ognuno di loro ha fatto la differenza. Ed è il nostro valore aggiunto”.
Andrea Compagnucci, Marketing Principal Consultant di Fondazione Arena:
“Abbiamo pensato per questo evento, ad un’asta benefica, per sostenere un importante progetto solidale in Ucraina. Inoltre, sono state selezionate le 101 immagini più belle del Centesimo Festival, scatti che ci condurranno al Festival 2024 e che, questa, sera, vogliamo regalare ad ognuno di voi, un ricordo del percorso fatto insieme e dei risultati straordinari raggiunti, con un record assoluto di sponsorizzazioni donazioni e un modello di membership che in molti in Italia vogliono emulare”.
Sabato 2 dicembre alle 20.30 è in programma il concerto straordinario che apre un’articolata settimana (fino all’8 dicembre) composta da una serie di manifestazioni, musicali e non, per celebrare l’inaugurazione del nuovo Teatro Carmen Melis, “ridotto” del Teatro Lirico di Cagliari, e con la quale si chiudono i festeggiamenti per il trentennale della struttura che accoglie la Fondazione cagliaritana (1993-2023).
Il concerto prevede i due complessi stabili cagliaritani, Orchestra e Coro del Teatro Lirico, guidati dal giovane direttore spagnolo Jaume Santonja (Bocairent, 1986) che ritorna sul podio del Teatro Lirico di Cagliari, dopo il successo dei concerti della scorsa primavera. Nei ruoli solistici si esibiscono: Marigona Qerkezi (soprano), Natalia Gavrilan (mezzosoprano), Matteo Desole (tenore), Dongho Kim (basso). Il maestro del coro è Giovanni Andreoli.
Si tratta di un concerto sinfonico-corale che propone all’ascolto del pubblico una delle pagine musicali più celebri e più popolari e che vuole anche essere di buon augurio per gli anni a venire; infatti il programma musicale, interamente dedicato al genio creativo di Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770 – Vienna, 1827), prevede l’esecuzione di uno dei capolavori più straordinari della storia della musica: la Nona Sinfonia in re minore per soli, coro e orchestra op. 125, imponente pezzo sinfonico-corale, composto negli anni tra il 1822 e il 1824. Nel quarto movimento (Finale) si ascolta il celeberrimo “Inno alla gioia” su testo di Friedrich von Schiller, attraverso il quale il geniale compositore tedesco invita tutti alla fratellanza universale. Le ultime due esecuzioni a Cagliari della Nona Sinfonia di Beethoven risalgono al gennaio 2021 con la direzione di Fabrizio Maria Carminati (in diretta televisiva e in streaming a causa del lockdown per la pandemia da Covid-19) e al gennaio 2016 con la direzione di Gérard Korsten (con il pubblico in sala).
Lo spettacolo ha una durata complessiva di 1 ora e 15 minuti circa e non prevede l’intervallo.
Il Nuovo Teatro Comunale (oggi Teatro Lirico di Cagliari) è stato inaugurato il 2-3-4 settembre 1993, dopo una lunghissima stagione di lavori. La città mancava di un vero e proprio teatro dagli anni del secondo conflitto mondiale: le antiche sale del Politeama Regina Margherita e del Civico, entrambe nel centro storico, erano state infatti distrutte rispettivamente nel 1942 (a causa di un incendio nella notte fra il 17-18 dicembre) e nel 1943 (a causa del bombardamento alleato del 26 febbraio). Nei decenni successivi i concerti e gli allestimenti lirici avevano trovato ospitalità in altri spazi (soprattutto Teatro Massimo e Auditorium del Conservatorio), che avevano in parte condizionato la programmazione artistica, assicurandone però la continuità. Il concorso per la nuova struttura viene bandito nel 1964; tre anni più tardi è approvato il progetto degli architetti bergamaschi Teresa Arslan Ginoulhiac, Francesco Ginoulhiac e Luciano Galmozzi, quattro anni dopo si apre il cantiere. Il Teatro è un edificio in calcestruzzo con caratteristiche che dimostrano la sua maestosità: un tetto ricoperto da una grande lastra di rame brunito; un’area di 18.000 metri quadrati per un volume di 120.000 metri cubi; un palcoscenico di 22 metri di larghezza, più 10 metri per lato, 24 metri di profondità e 23 metri di altezza; un arco scenico rivestito di pannellature di gesso e legno per una resa acustica ottimale; un boccascena mobile con una larghezza variabile dai 13 ai 16 metri ed un’altezza di 9 metri; un golfo mistico sistemato su una doppia piattaforma mobile che permette diverse possibilità di utilizzo per grandi e piccole orchestre; 1600 posti distribuiti fra platea (800 posti) e due ordini di logge, con impianto di climatizzazione integrato nelle poltrone; ampi foyer, laboratori, magazzini e locali per uffici. Il Teatro è anche dotato di camera acustica modulare in legno per concerti di musica sinfonica.
Prezzi: posto unico numerato € 20.
I biglietti sono in vendita da martedì 28 novembre in Biglietteria e lo stesso servizio è possibile anche online attraverso il circuito di prevendita www.vivaticket.it, con il quale si potrà ricevere, nella propria e-mail, il biglietto nel formato elettronico.
Agli abbonati alle Stagioni concertistica, lirica e di balletto, ai giovani under 35 ed ai disabili sono applicate riduzioni del 50% sull’acquisto di biglietti. Ulteriori agevolazioni sono previste per gruppi organizzati.
La Biglietteria del Teatro Lirico è aperta lunedì, martedì, giovedì, venerdì e sabato dalle 9 alle 13, mercoledì dalle 16 alle 20 e, nei giorni di spettacolo, anche da due ore prima dell’inizio.
La Direzione si riserva di apportare al programma le modifiche che si rendessero necessarie per esigenze tecniche o per cause di forza maggiore. Eventuali modifiche al cartellone saranno indicate nel sito internet del teatro www.teatroliricodicagliari.it.
A Bergamo fra il Teatro Donizetti e il centro Piacentiniano tanti appuntamenti gratuiti!
La magia del Natale pervade Bergamo con il Donizetti Christmas Day!
Per tutta la giornata di sabato 2 dicembre, a partire dalle 9.30, il festival trasforma il Teatro e il Centro Piacentiniano in tanti palcoscenici.
Più di venti appuntamenti musicali oltre alle visite guidate gratuite del Teatro Donizetti, i tour a bordo dei tuk tuk elettrici nei luoghi donizettiani e il trenino con il percorso panoramico per la città.
Alle 10.00 e alle 12.00 il Ridotto Gavazzeni ospiterà delle presentazioni di alcuni libri sul mondo dell’opera di ieri e di oggi e le nuove biografie di Rossini e Puccini; insieme agli autori e ai musicologi della sezione scientifica si potranno avere alcuni spunti per i regali di Natale grazie anche allo speciale bookshop in collaborazione con la Libreria Incrocio Quarenghi.
Durante il Christmas Day sarà possibile acquistare il dolce-ricordo del festival, “La turta del Dunizèt”, nella speciale confezione celebrativa realizzata da Balzer. Il ricavato andrà a supporto degli allievi della Bottega Donizetti, laboratorio di perfezionamento per giovani cantanti, grazie al supporto del Rotary Club Bergamo Terra di San Marco.
E poi il Donizetti Studio ospiterà tantissimi laboratori per bambini e ragazzi di tutte le età con prenotazione gratuita: da Do Re Mi. Cantiamo insieme per la fascia 0-12 mesi (ore 9.30 e ore 11.00) a Giardino d’artista per i bimbi fra i 6 e 10 anni (ore 15.00), Lucia e le altre per le ragazze dai 15 anni (ore 17.00).
Musiche di Franz Liszt, Francesco Filidei e Olivier Messiaen
Soprano Jeanne Crousaud
Direttore Leonhard Garms (nella foto)
Orchestra dell’Opera Carlo Felice Genova
Venerdì 1 dicembre 2023, alle ore 20.00, Leonhard Garms sarà alla direzione dell’Orchestra dell’Opera Carlo Felice e del soprano Jeanne Crousaud nel concerto sinfonico Dialoghi. Il programma è incentrato sul tema della spiritualità e pone in dialogo le Legendes S. 175 e Prometheus S. 99 di Franz Liszt, L’Ascension di Olivier Messiaen e la prima esecuzione italiana – in occasione di “Genova Capitale del Medioevo” 2024 – di Cantico delle creature di Francesco Filidei, compositore in residenza dell’Opera Carlo Felice.
In apertura, le Légendes S. 175 di Liszt, dedicate a San Francesco d’Assisi (La prédication aux oiseaux – La predica agli uccelli) e a San Francesco da Paola (Marchant sur les flots – In cammino sulle onde), una composizione che testimonia il grande impatto che a religiosità ha avuto sulla vita personale e artistica di Franz Liszt. Entrambe le Légendes vennero composte nel 1863, e nello stile descrittivo e rapsodico proprio del compositore raccontano in musica i miracoli dei Santi.
Segue Cantico delle creature per soprano e orchestra, composizione di Francesco Filidei realizzata nel 2023 su co-commissione dell’Ensemble Modern, dei Berliner Festspiele/Musikfest Berlin e della Fondazione Teatro Carlo Felice. Il testo è l’omonimo cantico di San Francesco d’Assisi, scritto attorno al 1224. Il manoscritto, fondamentale testimonianza dell’italiano volgare basso-medievale, recava originariamente un accompagnamento musicale oggi perduto, ed è proprio con l’obiettivo di rievocare le sonorità della lauda che Filidei ha intrapreso questo lavoro. Il brano, la cui scrittura raccoglie diversi riferimenti anche alla stessa musica medievale, crea un’atmosfera sonora intensa e spirituale, capace di restituire il senso delle parole della più celebre lode al Creato della letteratura italiana, dove si alternano il mistero, lo stupore e la gioia della fede.
Si prosegue con il poema sinfonico Prometheus, del 1855. Anche qui Liszt affronta il tema della spiritualità, questa volta intesa come celebrazione della forza della speranza di fronte alle avversità, attraverso la trasposizione in musica del mito di Prometeo.
Infine, L’Ascension, quattro meditazioni sinfoniche per orchestra (1933) è una delle prime composizioni orchestrali di ampio respiro di Olivier Messiaen, ispirata ai testi sacri, in cui i quattro movimenti rappresentano le diverse fasi dell’ascensione di Cristo al Padre. La religiosità di Messiaen non si esprime qui in forma liturgica, ma piuttosto come riflessione di fede realizzata in musica.
Per i gruppi è attivo l’indirizzo gruppi@vivaticket.com a cui rivolgersi per le prenotazioni e l’acquisto di biglietti della nostra Stagione.
Orari
Da lunedì al sabato, dalle ore 9.30 alle ore 19.00.
Spettacoli serali: apertura un’ora prima dell’inizio, chiusura 15 minuti dopo l’inizio. Spettacoli pomeridiani o serali di domenica: apertura due ore prima dell’inizio, chiusura 15 minuti dopo l’inizio.
Protagonisti Anna Pirozzi, Fabio Sartori, Erwin Schrotte Amartuvshin Enkhbat il 9, 12 e 14 dicembre al Teatro Costanzi
Qualche mese dopo aver debuttato con Tosca durante la tournée capitolina in Giappone e subito dopo il Mefistofele di Boito che apre la nuova stagione dell’Opera di Roma, Michele Mariottiaffronta il titolo pucciniano per la prima volta sul podio dell’Opera di Roma il 9, il 12 e il 14 dicembre. Lo spettacolo è riproposto nella versione della prima rappresentazione assoluta, avvenuta al Costanzi il 14 gennaio 1900, ricostruita dalla fondazione capitolina in collaborazione con l’Archivio Storico Ricordi nel 2015 e da allora in scena regolarmente al Costanzi con la regia di Alessandro Talevi. Nel ruolo del titolo torna il soprano Anna Pirozzi – già Tosca nell’allestimento del 2022 – mentre Cavaradossi è il tenore Fabio Sartori. Il barone Scarpia è interpretato dal basso-baritono Erwin Schrott nelle date del 9 e del 12 dicembre e da Amartuvshin Enkhbat nella replica del 14. Le scene e i costumi originali, disegnati da Adolf Hohenstein, sono stati ricostruiti rispettivamente da Carlo Savi e Anna Biagiotti.
Nessuna opera è legata ad una città quanto Tosca con Roma: e non solo per ragioni librettistiche, che vedono il dramma aprirsi qualche giorno dopo la caduta della prima Repubblica Romana. La terrazza di Castel Sant’Angelo, gli interni dorati di Sant’Andrea della Valle, i rintocchi del Mattutino che Giacomo Puccini aspettava di cogliere all’alba per annotarsi l’intonazione corretta da inserire in partitura. «Non ho mai smesso di ammirare la sottigliezza e la cura dei particolari con cui Puccini crea i suoi scenari – dice Alessandro Talevi – e il modo in cui richiedono costantemente un’indagine psicologica profonda da parte di cantanti e regista». Seguendo le originali volontà pucciniane, il regista ha ricostruito per lo spettatore odierno la Roma vissuta dal compositore lucchese. Talevi, che nel 2007 ha vinto l’European Opera-directing Prize per la sua Rusalka, in Italia ha collaborato con il Maggio Fiorentino, il Regio di Torino, La Fenice di Venezia e, all’estero, con il Colorado Central City Opera di Denver – quest’ultimo un teatro in cui si è cimentato nei più diversi repertori (The Turn of the Screw di Britten, La damoiselle élue di Debussy, Litanies à la Vierge Noire di Poulenc) – e l’Opera North di Leeds. Formatosi alla Royal Academy of Music di Londra, ha creato nuove produzioni per questa e altre istituzioni musicali britanniche, come la Guildhall School of Music and Drama e il Royal College of Music; nella capitale inglese è stato inoltre direttore artistico della Independent Opera at Sadler’s Wells, e per la BBC Proms ha allestito uno spettacolo shakespeariano. La sua Tosca della prima assoluta è stata ospitata anche al Bunka Kaikan di Tokyo, all’Israeli Opera di Tel Aviv e al Teatro Real di Madrid, e riproposta negli anni regolarmente a Costanzi.
Con il titolo pucciniano, invece, Michele Mariotti prosegue il suo percorso da direttore musicale dell’Opera di Roma. Premio Abbiati 2017 come Miglior direttore d’orchestra, Mariotti è recentemente rientrato dalla tournée capitolina in Giappone, dove ha ottenuto un successo personale dirigendo La traviata di Giuseppe Verdi nella messa in scena di Sofia Coppola e interpretando per la prima volta Tosca, qui con la regia di Franco Zeffirelli. Ospite regolare dei principali teatri italiani e internazionali – Wiener Staatsoper, Royal Opera House di Londra, Deutsche Oper Berlin, Festival di Salisburgo, Metropolitan Opera House di New York – ha inaugurato la nuova stagione del Teatro il 27 novembre con il Mefistofele di Arrigo Boito firmato da Simon Stone, segnando anche il proprio debutto con l’opera dell’autore scapigliato. Tornerà a dirigere all’Opera di Roma il dittico Gianni Schicchi/L’heure espagnole, Peter Grimes e due concerti sinfonici.
Nel ruolo di Tosca torna, dopo averla interpretata anche nella stagione 2021/22, Anna Pirozzi, che dal debutto dieci anni fa al Festival di Salisburgo nelle vesti di Abigaille (Nabucco) sotto la direzione musicale di Riccardo Muti, calca i più prestigiosi palcoscenici italiani e internazionali. Ad affiancarla come Cavaradossi è Fabio Sartori (Premio Pavarotti d’oro 2022), acclamato tenore di ruoli pucciniani e verdiani che ha collaborato con direttori del calibro di Zubin Mehta, Daniel Oren e Daniel Barenboim. Il basso-baritono Erwin Schrott (Vincitore del Primo Premio e del Premio del pubblico “Operalia” 1998) è invece Scarpia nelle repliche del 9 e del 12 dicembre. Nella data del 14 dicembre a interpretare il capo della polizia pontificia è invece Amartuvshin Enkhbat che, dopo aver ottenuto uno straordinario successo come Germont padre nella Traviata della tournée capitolina in Giappone, torna all’Opera di Roma con un altro grande ruolo da baritono. Nella parte del sagrestano Domenico Colaianni, di Spoletta Carlo Bosi e di Angelotti Gabriele Sagona. Orchestra e Coro, diretto da Ciro Visco, sono dell’Opera di Roma, con la partecipazione della Scuola di Canto Corale del Teatro.
Tratta dall’omonimo dramma di Victorien Sardou, Tosca è un’opera in tre atti del compositore Giacomo Puccini su libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica. Protagonista è la cantante Floria Tosca, amante del pittore Mario Cavaradossi, che protegge e nasconde un ex capo della caduta Repubblica Romana, Angelo Angelotti. Catturato da Scarpia, capo della polizia pontificia, con l’accusa di tradimento, Cavaradossi è condannato alla fucilazione. Affinché Tosca possa salvarlo, lei dovrebbe cedere al ricatto del barone, concedersi a lui: la donna accetta, ottenendo la possibilità di avvisare l’amante e liberarlo. Ma la fucilazione avverrà lo stesso e Tosca, per salvarsi dalle guardie di Scarpia, si getta dalla terrazza di Castel Sant’Angelo.
La prima rappresentazione è prevista sabato 9 dicembre 2023, ore 20. Repliche martedì 12 e giovedì 14 dicembre, sempre alle ore 20.
Ogni rappresentazione è in lingua originale con sovratitoli in italiano e in inglese.
VIAGGIO IN TRE SECOLI DI MUSICA VOCALE CON ORCHESTRA E CORO DI FONDAZIONE ARENA
Venerdì 1 e sabato 2 dicembre la giovane direttrice Valentina Peleggi debutta a Verona in un programma raffinato che esplora le sonorità del sacro, dal ‘600 inglese al toccante Requiem di Fauré
12° Concerto
Musiche di Purcell, Saint-Saëns, Poulenc e Fauré
Valentina Peleggi Direttore (nella foto)
Francesca Maionchi Soprano
Damiano Salerno Baritono
Venerdì 1 dicembre ore 20.00
Sabato 2 dicembre ore 17.00
Teatro Filarmonico di Verona
Prima dell’atteso Concerto di San Silvestro fuori abbonamento, Fondazione Arena conclude la propria Stagione Sinfonica 2023 questo fine settimana, con il Coro preparato dal Maestro Roberto Gabbiani protagonista, accanto all’Orchestra, di un originale viaggio musicale che accosta diversi stili ed epoche nel segno dell’ispirazione sacra. Sul podio debutta la giovane Valentina Peleggi, “rising star 2018” per BBC Music Magazine, direttrice premiata e apprezzata da pubblico e critica, già forte di incarichi stabili in Stati Uniti e Brasile, per la prima volta a Verona.
Questo 12° concerto sinfonico debutta venerdì 1 dicembre alle 20 e replica sabato 2 dicembre alle 17, nel giorno esatto del centenario di Maria Callas, cui la serata sarà dedicata. La durata prevista è di 80 minuti circa compreso un intervallo. Nel frattempo, l’intera Stagione Artistica 2024 è stata annunciata ed è già in vendita, con un ricco programma di opera, balletto, musica sinfonica e cameristica. È possibile abbonarsi abbonamenti o scegliere un proprio nuovo carnet al link https://www.arena.it/it/teatro-filarmonico
Il concerto comprenderà diverse prime esecuzioni al Teatro Filarmonico: di suggestione forte e senza tempo i primi cinque minuti, in cui un rullo di timpani introdurrà la solenne marcia composta nel 1695 da Henry Purcellper i funerali di Maria II d’Inghilterra, e quindi la corale Canzona per ottoni. Una pace arcaica e solenne è anche quella descritta dagli archi nei sette minuti del brano seguente, altra autentica rarità, il Preludio da Le Déluge, oratorio del 1876 con cuiCamille Saint-Saëns raccontò il diluvio universale: un omaggio al passato attraverso la forma della fuga, conclusa da una elegante elegia del violino solista. Sul palcoscenico salirà quindi Il Coro femminile per le Litanie alla Madonna nera, dedicate da Francis Poulenc nel 1936 alla statua lignea della Vergine conservata nel roccioso borgo medievale di Rocamadour in Occitania, meta di pellegrinaggio dal XII secolo. Sarà eseguita la versione orchestrale del 1947 che, in dieci minuti circa, conserva il fascino arcaico della melodia di Poulenc e i colori soffusi di una raffinata tavolozza strumentale novecentesca e francese. La pagina più celebre coronerà il programma: il delicato Requiem scritto da Gabriel Fauré tra il 1887 e il 1900 rappresenta la visione più serena e conciliante fra le molte composizioni dedicate alla commemorazione dei defunti, e tra le poche prive delle immagini sul giorno del giudizio, espunte in favore di preghiere più raccolte invocanti la pace eterna. Per i quaranta minuti finali, che omaggiano l’autore a cent’anni dalla scomparsa, ai complessi artistici della Fondazione si uniranno le voci soliste del soprano Francesca Maionchi e del baritono Damiano Salerno, applauditi anche in Arena.
Fondazione Arena di Verona desidera ringraziare BCC di Verona e Vicenza e Metinvest – Saving Lives per il sostegno alle attività della Stagione Artistica 2023 al Teatro Filarmonico in qualità di main sponsor.
Novità: il Preludio raddoppia e offre un’introduzione all’ascolto prima di ogni concerto. La rassegnaRitorno a teatro riprende anche per la Stagione Sinfonica, fra le diverse iniziative di Arena Young rivolte a studenti e personale di scuole, università, accademie. In questo percorso di avvicinamento alla musica sinfonica, il mondo della Scuola potrà assistere agli spettacoli del Teatro Filarmonico con l’opportunità di partecipare ad un Preludio nella prestigiosa Sala Maffeiana un’ora prima dell’inizio a cura della Fondazione. Per il 12° concerto è possibile prenotare sia il Preludio di venerdì 1 dicembre alle 19 sia quello di sabato 2 dicembre alle 16. Per informazioni e prenotazioni: Area Formazione e Promozione Scuole scuola@arenadiverona.it – tel 045 8051933
BIGLIETTERIA ARENA DI VERONA Via Dietro Anfiteatro 6/b, 37121 Verona
Apertada lunedì a venerdì 10.30-16.00 | sabato 9.15-12.45
Tel. 045 8005151
BIGLIETTERIATEATRO FILARMONICO Via dei Mutilati 4/k, 37121 Verona
Il 7 dicembre la diretta di Rai Cultura del Don Carlo di Verdi
Un Don Carlo mai visto. Per la prima volta Rai Cultura riprende in 4K una prima della Scala per trasmetterla come ormai di consueto in diretta su Rai1. Avrà quindi una definizione quattro volte superiore rispetto agli standard televisivi a cui siamo abituati il Don Carlo di Giuseppe Verdi che inaugura la Stagione del Teatro alla Scala giovedì 7 dicembre 2023, con il Direttore musicale Riccardo Chailly sul podio e la regia di Lluís Pasqual.
Dieci telecamere in alta definizione, 45 microfoni nella buca d’orchestra e in palcoscenico, 15 radiomicrofoni dedicati ai solisti. Un gruppo di lavoro di 50 persone tra cameraman, microfonisti, tecnici audio e video. Una preparazione che vede lo staff di regia seguire fin dalle prime prove la messa in scena dello spettacolo, e un numero crescente di addetti lavorare nelle due settimane precedenti il debutto.
Lo spettacolo, con la regia televisiva di Arnalda Canali, sarà trasmesso in diretta anche su Radio3, su Rai1 HD canale 501 e su RaiPlay, dove potrà essere visto per 15 giorni dopo la Prima. Oltre tre ore di trasmissione, completa di sottotitoli, per portare il capolavoro di Verdi nelle case degli italiani, perché la grande musica è di tutti, come ha dimostrato il milione e mezzo di telespettatori del Boris Godunov del 7 dicembre 2022.
Oltre a trasmettere l’opera, con grande attenzione per la ripresa audio e video curata dal Centro di Produzione TV di Milano, come di consueto la Rai racconterà anche ciò che accade attorno allo spettacolo più atteso della Stagione. Su Rai1 Milly Carlucci e Bruno Vespa, con collegamenti di Serena Scorzoni dal foyer, condurranno la diretta televisiva incontrando, prima dell’inizio e durante l’intervallo, i protagonisti e gli ospiti presenti. Per Radio3 seguiranno la diretta Gaia Varon e Oreste Bossini. Saranno coinvolte anche le diverse testate giornalistiche della Rai con dirette, servizi e approfondimenti, con ospiti in studio e dal foyer della Scala.
Come per il Boris Godunov del 2022, anche quest’anno la trasmissione dell’opera sarà corredata dall’audiodescrizione in diretta, grazie alla quale anche le persone cieche e ipovedenti potranno avvalersi di tutte quelle informazioni visive non trasmesse verbalmente – costumi, aspetto e mimica dei personaggi, azioni non parlate, location, scenografia e luci –, tale accessibilità sarà estesa anche a tutto ciò che accadrà intorno allo spettacolo e verrà trasmesso in TV prima dell’inizio e durante l’intervallo. Il servizio è realizzato da Rai Pubblica Utilità – Accessibilità. L’audiodescrizione, attivabile dal televisore sul canale audio dedicato – e fruibile anche in streaming su RaiPlay – fa parte del percorso di inclusione intrapreso con impegno e determinazione dalla Rai, con l’obiettivo di rendere sempre più concreta e ampia l’offerta di vero servizio pubblico. Si avvarranno delle riprese in Alta Definizione diffuse da Rai circa 40 sedi coinvolte nell’iniziativa sociale “Prima Diffusa” del Comune di Milano e il maxischermo collocato al centro dell’Ottagono della Galleria Vittorio Emanuele II, che offre la Prima ai cittadini.
Sono numerosi i broadcaster di tutti i continenti che trasmetteranno l’evento in diretta da Milano grazie agli accordi sottoscritti con Rai Com: da ARTE per Austria, Belgio, Francia, Germania, Liechtenstein e Lussemburgo alla Svizzera RSI, dalla portoghese RTP alla ceca Česká Televize. Dall’Europa al Giappone, dove la NHK manderà in onda “Don Carlo” (in differita) in formato 4K HDR. La Prima della Scala sarà fruibile in tutto il mondo sulla piattaforma Medici Tv e sarà proiettata in diretta anche nelle sale cinematografiche di Spagna, Svizzera, America Latina, Australia e Nuova Zelanda e in un network di quindici sale italiane.
La regia è di Lluís Pasqual, le scene di Daniel Bianco e i costumi di Franca Squarciapino.
Protagonisti Francesco Meli, Anna Netrebko, Michele Pertusi, Elīna Garanča, Luca Salsi e Ain Anger.
Diretta televisiva su Rai1 e radiofonica su Radio3 il 7 dicembre dalle 17:45.
Il 3 dicembre anteprima per gli Under30, esaurite tutte le repliche fino all’8 gennaio.
La Stagione 2023/2024 del Teatro alla Scala si apre giovedì 7 dicembre alle ore 18 con Don Carlo di Giuseppe Verdi nella versione approntata dal compositore per la Scala nel 1884. Come ogni anno lo spettacolo sarà ripreso dalle telecamere di Rai Cultura e trasmesso in diretta televisiva su Rai1 e radiofonica su Radio3. La Prima sarà preceduta domenica 3 dicembre dall’Anteprima per gli Under30 e seguita fino al 2 gennaio da 7 rappresentazioni tutte esaurite. L’opera, che ha inaugurato la Stagione nel 1868, 1878, 1912, 1926, 1968, 1977, 1992 e 2008, sarà diretta dal Direttore Musicale Riccardo Chailly sul podio dell’Orchestra del Teatro alla Scala con un cast che schiera Francesco Meli come Don Carlo, Anna Netrebko come Elisabetta di Valois, Michele Pertusi come Filippo II, Elīna Garanča come Principessa d’Eboli, Luca Salsi come Marchese di Posa e Jongmin Park come Grande Inquisitore. Protagonista di non minore rilievo il Corodel Teatro alla Scala diretto da Alberto Malazzi. Le scene sono di Daniel Bianco, i costumi di Franca Squarciapino, le luci di Pascal Mérat, i video di Franc Aleu e la coreografia di Nuria Castejón.
Per Riccardo ChaillyDon Carlo è il compimento di una riflessione sul potere estesa su tre inaugurazioni di Stagione, dopo Macbeth di Verdi nel 2021 e Boris Godunov nel 2022. Come scrive Michele Girardi, vi è una relazione evidente «tra le tematiche trattate nel Boris Godunov di Musorgskij e nel Don Carlos di Verdi, cioè le logiche spietate dei detentori di un potere assoluto che disintegra l’aspirazione alla felicità individuale e collettiva degli oppressi». Ma si tratta anche di un ritorno al Verdi della maturità dopo le tre inaugurazioni dedicate all’evoluzione delle opere giovanili con Giovanna d’Arco nel 2015, Attila nel 2018 e Macbeth nel 2021. (Chailly peraltro ha proposto anche Aida in forma di concerto nel 2020, dopo averla diretta nell’allestimento di Zeffirelli il 7 dicembre 2006). Nel suo nuovo approccio a Don Carlo, che aveva diretto ad Amsterdam nel 2010 in un bell’allestimento di Willy Decker, il Maestro torna con la memoria alle edizioni dirette da Claudio Abbado nel 1968 e 1977, di cui aveva seguito le prove, ma fa riferimento anche allo studio diretto dei manoscritti messigli a disposizione da Ricordi. Come nell’edizione di Abbado, si ascolterà l’introduzione al monologo di Filippo affidato alla fila dei violoncelli secondo partitura e non al violoncello solo come spesso avviene. Con i complessi scaligeri Riccardo Chailly ha recentemente diretto la scena di Filippo con Ildar Abdrazakov nella serata “…a riveder le stelle” del 7 dicembre 2020, l’aria di Elisabetta in concerto con Anna Netrebko e il coro del II atto in disco e in tournée.
Lo spettacolo
Don Carlo torna al Teatro alla Scala in una grande produzione che rispecchia la doppia natura di dramma storico e manifesto romantico dell’originale schilleriano mettendo in luce gli straordinari artisti e artigiani che operano nei laboratori del Teatro. Un impianto scenico unico si trasforma senza interrompere lo svolgimento dell’azione nei diversi spazi previsti dal libretto grazie alla spettacolare alternanza di colossali elementi scenografici. Verdi propone i temi a lui cari della libertà dei sentimenti, della difficile relazione tra padri e figli e della liberazione dei popoli oppressi sullo sfondo del conflitto tra il potere temporale e quello religioso. Per rendere l’atmosfera sospesa tra ambiente ecclesiastico e secolare il regista Lluís Pasqual e lo scenografo Daniel Bianco hanno fatto riferimento all’uso dell’alabastro nelle finestre degli edifici religiosi ma anche civili e in particolare alla grande finestra della Collegiata di Santa María La Mayor nella città spagnola di Toro. Una grande torre di alabastro è inquadrata in un sistema di cancellate che anch’esse ricorrono nell’architettura religiosa quanto in quella civile. La scena permette di ritagliare nei grandi spazi del palcoscenico i numerosi momenti di intimità e di isolamento che punteggiano la tragedia.
Don Carlo ci porta dietro le quinte dello spettacolo del potere: anche l’autodafé, cerimonia abbagliante e macabra di autorappresentazione dell’assolutismo, non troppo diversa dai meccanismi della propaganda di oggi, è mostrata soprattutto nel momento della preparazione e solo pochi minuti sono riservati alla “festa” nella sua magniloquente esteriorità. Qui campeggia un colossale retablo dorato e finemente istoriato. Questi spazi sono animati dal pittoricismo dei costumi di Franca Squarciapino, che riprendono l’abbigliamento rappresentato nella ritrattistica del tempo ma lo alleggeriscono nella scelta dei materiali, garantendo facilità di movimento e una certa romantica vitalità ai personaggi. L’impianto è documentato ma non necessariamente filologico: pur collocati nella loro epoca, i protagonisti rappresentano emozioni e caratteristiche umane presenti in ogni tempo. Il colore prevalente è il nero, non inteso come espressione di mortificazione o di lutto ma come esibizione di potere e ricchezza: nel ‘500 velluti e broccati neri erano tra le stoffe di maggior pregio.
Le versioni dell’opera
La prima assoluta di Don Carlos ha luogo all’Opéra di Parigi (che aveva allora sede nella Salle le Péletier che sarebbe stata distrutta da un incendio nel 1873) l’11 marzo 1867. È la terza opera scritta da Verdi per la Francia dopo Jérusalem (riscrittura del 1847 dei Lombardi alla prima Crociata) e Les Vêpres Siciliennes (1855). Il libretto francese di Joseph Méry e Camille du Locle è tratto dalla tragedia di Friedrich Schiller Don Karlos, Infant von Spanien andata in scena ad Amburgo nel 1787. L’opera, commissionata in occasione della seconda Esposizione Universale di Parigi (il direttore dell’Opéra, Jules Perrin, aveva proposto Don Carlos oppure Cleopatra dal Giulio Cesare di Shakespeare; Verdi aveva pensato a Re Lear ma soprattutto a El zapatero y el Rey di Zorilla prima di risolvere per Schiller), era in cinque atti con balletto secondo l’uso della “grande boutique” e proclamava i valori della libertà personale e politica contro l’oppressione dell’assolutismo religioso e statuale.
La prima italiana segue di pochi mesi quella parigina: Angelo Mariani dirige Don Carlo, con libretto tradotto in italiano da Achille de Lauzières, a Bologna il 27 ottobre, protagonista Teresa Stolz. La Stolz è Elisabetta anche nella prima dell’opera al Teatro alla Scala, diretta da Alberto Mazzucato il 25 marzo 1868: si eseguono i cinque atti in lingua italiana con il balletto. La stessa versione in cinque atti e ballabili inaugurerà la Stagione scaligera il 26 dicembre 1868, sul podio Eugenio Terziani, e il 26 dicembre 1878, direttore Franco Faccio. Nel frattempo, per la prima al Teatro di San Carlo di Napoli nel 1872 Verdi aveva modificato il duetto tra Filippo II e il Marchese di Posa e scorciato il duetto finale tra Carlo ed Elisabetta. Il lavoro di rimaneggiamento riprende e si intensifica insieme a Du Locle per la versione francese di Vienna nel 1882 (“a Vienna – scrive Verdi – i portinai chiudono la porta principale delle case […] le opere lunghe si amputano ferocemente […] dal momento che mi si dovevano amputare le gambe ho preferito affilare e adoperare io stesso il coltello”) e si conclude per la produzione in lingua italiana del 1884 al Teatro alla Scala. Qui Verdi opera non solo una serie di tagli, ma un ripensamento profondo della struttura e in certo modo della natura stessa dell’opera: sopprime l’intero primo atto (ovvero l’antefatto che narra lo sbocciare della passione tra Carlo ed Elisabetta nella foresta di Fontainebleau); riscrive i duetti Carlo-Rodrigo e Filippo-Rodrigo dell’atto secondo; sostituisce l’inizio dell’atto terzo con un preludio e sopprime il successivo balletto; riscrive gran parte della scena Filippo-Elisabetta dell’atto quarto col successivo Quartetto; abbrevia il finale quarto, a partire dalla morte di Rodrigo; riscrive e abbrevia la conclusione dell’atto quinto. Ne emerge un dramma nuovo, più sintetico e agile, in cui il fattore politico e la figura di Filippo II prevalgono su quello psicologico/sentimentale e sui personaggi di Carlo ed Elisabetta. Nata da necessità pratiche, la revisione finisce per rispecchiare la propensione di Verdi alla stringatezza drammatica: “i tagli – scrive – non guastano il dramma musicale, anzi accorciandolo lo rendono più vivo”.
Nel 1886 Verdi approva, pur senza esservi intervenuto personalmente, una nuova versione proposta a Modena, che ripristina il primo atto secondo l’edizione Ricordi facendolo seguire dagli altri quattro come ridisegnati nell’edizione scaligera del 1884.
Don Carlo alla Scala
La prima dell’opera al Piermarini risale, come accennato sopra, al marzo 1868, seguita dalle prime due inaugurazioni di stagione nel dicembre dello stesso 1868 e dieci anni più tardi e quindi dalla prima assoluta della versione in quattro atti nel 1884. Nei decenni successivi Don Carlo appare nei cartelloni con scarsa frequenza: Tullio Serafin dirige l’edizione in quattro atti nel 1912, Arturo Toscanini nel 1926 e 1928 sceglie i cinque atti. In seguito sceglieranno i quattro atti Fernando Previtali (1947), Antonino Votto (1952 e 1954 con Maria Callas come Elisabetta); nel 1960 e 1963 Gabriele Santini torna alla versione in cinque atti senza balletto. Don Carlo torna a inaugurare la Stagione nel 1968, sempre in quattro atti, con la direzione di Claudio Abbado e la regia di Jean-Pierre Ponnelle. Il cast comprende Rita Orlandi Malaspina (poi anche Raina Kabaivanska, già presente insieme a Leyla Gencer nel 1963), Bruno Prevedi, Fiorenza Cossotto, Piero Cappuccilli e Nicolai Ghiaurov. Lo spettacolo sarà ripreso nel 1970 con importanti novità nel cast, tra cui Plácido Domingo e Shirley Verrett. Per la Stagione del Bicentenario del 1978, che si snoda senza soluzione di continuità dal 7 dicembre 1977 al 1979, Abbado propone la versione in cinque atti in una storica produzione di Luca Ronconi con le scene di Damiano Damiani e due cast straordinari: Mirella Freni e Margaret Price come Elisabetta, José Carreras e Plácido Domingo come Don Carlo, Nicolai Ghiaurov e Evgenij Nesterenko come Filippo II, Piero Cappuccilli e Renato Bruson come Posa, Elena Obraztsova come Eboli. La passione abbadiana per l’opera si arricchisce di un ulteriore capitolo con l’incisione per Deutsche Grammophon con i complessi scaligeri dell’originale francese in cinque atti, completa in appendice delle parti soppresse da Verdi tra cui il “ballo della Peregrina”. Nel cast Plácido Domingo, Katia Ricciarelli, Ruggero Raimondi, Nicolai Ghiaurov, Lucia Valentini Terrani e Leo Nucci.
È Riccardo Muti nel 1992 a riportare Don Carlo al 7 dicembre, nella versione in quattro atti sfarzosamente portata in scena da Franco Zeffirelli con Luciano Pavarotti, Daniela Dessì, Samuel Ramey, Luciana D’Intino e Paolo Coni. Nel 2008 Daniele Gatti dirige la prima Anteprima Under30 il 4 dicembre e quindi inaugura la Stagione con la versione in 4 atti arricchita da un inedito verdiano. La regia è di Stéphane Braunschweig, cantano Stuart Neill, Fiorenza Cedolins, Ferruccio Furlanetto, Dolora Zajick, Dalibor Jenis e Anatoli Kotscherga. Lo spettacolo viene ripreso nel 2013 con Fabio Luisi sul podio e in palcoscenico Fabio Sartori, Martina Serafin, René Pape, Ekaterina Gubanova, Massimo Cavalletti e Štefan Kocán.
In cinque atti in italiano l’ultima apparizione scaligera del titolo, nel 2017 nell’allestimento salisburghese di Peter Stein con Myung-Whun Chung e il debutto di Francesco Meli come Don Carlo al Piermarini insieme a Krassimira Stoyanova, Ferruccio Furlanetto, Ekaterina Semenchuk, Simone Piazzola e Eric Halfyarson.
Le iniziative di presentazione
La Prima è preceduta da un calendario di iniziative di presentazione aperto lo scorso 13 novembre dal convegno “Un nuovo Don Carlo per Milano” curato da Raffaele Mellace con la partecipazione di Riccardo Chailly.
Queste iniziative fanno parte di un più ampio sforzo per moltiplicare le occasioni di approfondimento sui titoli in calendario. Tutte le rappresentazioni tranne la prima saranno precedute a un’ora dall’inizio da un’introduzione a cura di Liana Püschel.
Le pubblicazioni
Il programma di sala dell’opera inaugurale, curato dal Professor Raffaele Mellace, contiene testi di Piero Mioli, Paolo Gallarati, Raffaele Mellace, Marcello Conati, Claudio Toscani, Alberto Bentoglio, Massimo Firpo e Giorgio Pagannone e rubriche di Laura Cosso, Luca Chierici e Andrea Vitalini oltre a una nota drammaturgica di Lluís Pasqual.
Il numero di dicembre di La Scala – Rivista del Teatro include interviste a Riccardo Chailly di Raffaele Mellace e a Lluís Pasqual di Biagio Scuderi.
Per il secondo anno la grafica del Teatro è curata dallo studio Tomo Tomo: il progetto è stato pubblicato sull’ADI Design Index 2023.
Gli appuntamenti
Mercoledì 22 novembre 2023, ore 18
Teatro alla Scala, Ridotto dei palchi “Arturo Toscanini”
Teatro alla Scala con Amici della Scala
PRIMA DELLE PRIME
“LA MATURITÀ DEL GENIO”
Giorgio Pestelli (al pianoforte) con la partecipazione del M° Riccardo Chailly
Teatro alla Scala, Ridotto dei palchi “Arturo Toscanini”
CARLO E RODRIGO SI RACCONTANO
Intervengono: Luca Salsi, Francesco Meli
Coordina: Gian Mario Benzing
In collaborazione con ViviMilano
Ingresso con prenotazione con il coupon in uscita sull’edizione di ViviMilano del 29 novembre 2023
Mercoledì 6 dicembre 2023, ore 18
Teatro alla Scala, Ridotto dei palchi “Arturo Toscanini”
LE VANITA’ DEL MONDO
Le seduzioni della moda nel Don Carlo di Verdi
Franca Squarciapino incontra Fabiana Giacomotti e Mattia Palma
In collaborazione con Il Foglio quotidiano e Bellavista
Ingresso libero fino a esaurimento posti
Il Comune di Milano rinnova la collaborazione con il Teatro alla Scala, Edison e Rai per il calendario di Prima Diffusa, il cui programma sarà presentato successivamente.
Sul podio dell’Orchestra del Teatro dirige il maestro Alessandro Cadario, canta il soprano Myrtò Papatanasiu.
Un mito che ancora emoziona e commuove sia per le doti vocali strabilianti che per le vicende di una vita intensa e travagliata conclusa ad appena 54 anni. “Un fenomeno teatrale completo: musicale e drammatico” – come disse di lei Luchino Visconti, che la diresse in tanti grandi titoli: “La sonnambula”, “La traviata”, “Anna Bolena”. Nel centenario della nascita, Maria Callas, nome d’arte dell’artista greca Maria Anna Kalogheropoùlou, sarà celebrata giovedì 30 novembre alle 20:30 al Teatro Massimo con un concerto realizzato in collaborazione con la Comunità Ellenica Siciliana Trinacria e sotto l’egida di S.E. la Presidente della Repubblica Ellenica Katerina Sakellaropoulou. Sul podio dell’Orchestra dirige Alessandro Cadario, direttore eclettico, ospite principale dell’Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano dal 2016 e delle stagioni dei principali enti lirici e festival italiani ed internazionali. Canta il soprano Myrtò Papatanasiu, tra le voci più richieste del panorama internazionale, insignita nel 2012 del prestigioso premio “Maria Callas Debut Artist of the Year” per il suo debutto come Violetta (La traviata).
Il programma del concerto rende omaggio ai ruoli più noti interpretati dalla Callas, partendo dal repertorio francese, con l’aria dei gioielli di Faust, per passare poi a Verdi, con arie dal Trovatore e dalla Traviata, e a Puccini, con Bohème e Tosca, fino a concludere con un toccante omaggio al mondo greco, con le Cinque canzoni popolari greche di Ravel, presentate non in francese ma nel testo originale, e Marina di Theodorakis. Maria Callas infatti fu sempre orgogliosa della propria identità greca, che le fece amare ruoli come Ifigenia di Gluck e Medea (nell’opera di Cherubini, ma anche nel film con la regia di Pasolini).
Al Teatro Massimo di Palermo Maria Callas fu presente due volte: nel 1949 interpretò Brunilde ne La Valchiria di Richard Wagner con la regia di Enrico Frigerio e nel 1951 fu Norma. Tra le tante recensioni pubblicate dai quotidiani, spiccava quella del compositore Pietro Ferro su “L’Ora del Popolo” che scrisse: «Nei recitativi e nei momenti drammatici, Maria Callas è stata perfetta: ogni accento ha avuto la sua giusta misura. La difficilissima vocalità di Norma, che ha il duplice volto di “soprano drammatico, e di quello leggero”, è stata realizzata da Maria Callas con sorprendente abilità tecnica. Essa non ha soltanto eseguito in modo mirabile i pezzi di agilità; ma ha saputo trovare il colore giusto nel giuoco dei due aspetti timbrici del “chiaro” e “scuro”».
Dal 2 all’8 dicembre musica e spettacoli al Teatro Lirico di Cagliari
Da sabato 2 dicembre fino a venerdì 8 dicembre è in programma un’articolata settimana composta da una serie di manifestazioni, musicali e non, per celebrare l’inaugurazione del nuovo Teatro Carmen Melis, “ridotto” del Teatro Lirico di Cagliari, con la quale si chiudono i festeggiamenti per il trentennale della struttura che accoglie la Fondazione cagliaritana (1993-2023).
Si parte, sabato 2 dicembre alle 20.30, con un prestigioso concerto straordinario che prevede l’esibizione dei due complessi stabili cagliaritani, Orchestra e Coro del Teatro Lirico, guidati dal giovane direttore spagnolo Jaume Santonja (Bocairent, 1986) che ritorna sul podio del Teatro Lirico di Cagliari, dopo il successo dei concerti della scorsa primavera. Nei ruoli solistici si esibiscono: Marigona Qerkezi (soprano), Natalia Gavrilan (mezzosoprano), Matteo Desole (tenore), Dongho Kim (basso). Il maestro del coro è Giovanni Andreoli.
Si tratta di un concerto sinfonico-corale che propone all’ascolto del pubblico una delle pagine musicali più celebri e più popolari e che vuole anche essere di buon augurio per gli anni a venire; infatti il programma musicale, interamente dedicato al genio creativo di Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770 – Vienna, 1827), prevede l’esecuzione di uno dei capolavori più straordinari della storia della musica: la Nona Sinfonia in re minore per soli, coro e orchestra op. 125, imponente pezzo sinfonico-corale, composto negli anni tra il 1822 e il 1824. Nel quarto movimento (Finale) si ascolta il celeberrimo “Inno alla gioia” su testo di Friedrich von Schiller, attraverso il quale il geniale compositore tedesco invita tutti alla fratellanza universale.
Lunedì 4 e martedì 5 dicembre (dalle 19) spazio alla musica, nel foyer di platea, con 2 concerti di professori dell’Orchestra del Teatro Lirico che, in formazioni cameristiche, si esibiscono in 2 accattivanti programmi musicali di assoluto valore.
Martedì 5 e mercoledì 6 dicembre il programma prosegue, sempre nel foyer di platea ma nell’area lounge, con 2 appuntamenti (talk) mattutini (dalle 10), nei quali ci si potrà incontrare con vari ospiti per discutere, raccontare e intervenire su temi ed argomenti di varia natura: cultura, teatro, musica, ma anche socialità e condivisione.
Giovedì 7 e venerdì 8 dicembre si arriva finalmente al fulcro con l’inaugurazione del Teatro Carmen Melis.
La giornata del 7 dicembre è dedicata al fondamentale mondo della scuola, al quale è destinata l’Anteprima Giovani delle 11; dalle 19 inizia la serata inaugurale istituzionale (ingresso con invito) con il taglio del nastro e i brevi saluti da parte delle autorità presenti, per poi, alle 20, far parlare la musica con il concerto di Orchestra e Coro del Teatro Lirico, diretti da Daniel Smith (1981), giovane e talentuoso direttore australiano (ma abita a Roma), vincitore, tra gli altri riconoscimenti, del secondo premio nel prestigioso “Sir Georg Solti International Conductors’ Competition” nel 2012, che ritorna a Cagliari dopo aver diretto, lo scorso maggio, due concerti molto graditi al pubblico e alla critica. Il maestro del coro è Giovanni Andreoli. Il giorno dopo, venerdì 8 dicembre alle 17, con lo stesso programma musicale, si tiene la serata inaugurale per il pubblico che potrà finalmente ammirare questo piccolo gioiello incastonato fra il Teatro Lirico e l’Arena all’aperto della piazza Amedeo Nazzari.
Il programma musicale, pensato per sottolineare ulteriormente un momento così solenne quale l’inaugurazione di un nuovo teatro, prevede l’esecuzione di: Die Weihe des Hauses (La consacrazione della casa), ouverture in Do maggiore op. 124 di Ludwig van Beethoven; Sinfonia n. 40 in sol minore K. 550 di Wolfgang Amadeus Mozart; dal Messiah HWV 56: And The Glory Of The Lord; Hallelujah e Zadok the Priest HWV 258 di Georg Friedrich Haendel.
I biglietti sono disponibili in Biglietteria a partire da martedì 28 novembre e lo stesso servizio è possibile anche online attraverso il circuito di prevendita www.vivaticket.it, con il quale si potrà ricevere, nella propria e-mail, il biglietto nel formato elettronico.
Prezzi posto unico numerato: € 20 (concerto del 2 dicembre); € 10 (concerto dell’8 dicembre).
Per il concerto del 2 dicembre agli abbonati alle Stagioni 2023 (lirica e balletto e concertistica), ai giovani under 35 ed ai disabili sono applicate riduzioni del 50% sull’acquisto di biglietti. Ulteriori agevolazioni sono previste per gruppi organizzati.
La Biglietteria del Teatro Lirico è aperta lunedì, martedì, giovedì, venerdì e sabato dalle 9 alle 13, mercoledì dalle 16 alle 20 e, nei giorni di spettacolo, anche da due ore prima dell’inizio.
La Direzione si riserva di apportare al programma le modifiche che si rendessero necessarie per esigenze tecniche o per cause di forza maggiore. Eventuali modifiche al cartellone saranno indicate nel sito internet del teatro www.teatroliricodicagliari.it.
Il maestro Daniele Gatti, il Coro e l’Orchestra del Maggio rinunciano ai loro compensi
Daniele Gatti
Biglietti ( posto unico in tutta la sala) a 20euro – 10euro per i giovani fino ai 18 anni.
Il Teatro del Maggio annuncia per domenica 3 dicembre alle ore 11, in Sala Grande del Teatro, un concerto sinfonico corale straordinario per raccogliere fondi da destinare ai territori toscani tragicamente e pesantemente colpiti dall’alluvione dell’inizio del mese di novembre.
Il programma offre al pubblico due composizioni di Ludwig van Beethoven Elegischer Gesang (Canto elegiaco) Op. 118 e la Sinfonia n.7 in la maggiore, op 92.
Sul podio dell’ Orchestra e del Coro del Maggio, il maestro Daniele Gatti; maestro del coro Lorenzo Fratini.
Il maestro Gatti, il maestro Fratini, il Coro e l’Orchestra del Maggio per questa occasione così umanamente importante e di solidarietà, rinunciano ai loro compensi.
Per favorire la massima partecipazione e consentire un ricavo consistente da devolvere al territorio, i biglietti vengono offerti al pubblico al prezzo di 20 euro (posto unico in tutto il teatro) e di 10 euro per i giovani fino ai 18 anni ( posto unico in tutto il teatro).
Il primo componimento beethoveniano per Coro misto e Archi – su testo anonimo – è un brano intimo, raccolto e soave molto espressivo che si rivolge a chi patisce per partecipare fraternamente al suo dolore.
La Sinfonia n.7 in la maggiore op. 92, composta fra il 1811 e il 1812, debuttò a Vienna l’8 dicembre del 1813 diretta dallo stesso autore in una serata musicale a beneficio dei soldati austriaci reduci dalla battaglia di Hanau. La composizione fu accolta favorevolmente dai viennesi a cui piacque soprattutto il secondo movimento, l’Allegretto, che venne addirittura bissato. Ritenuta a suo tempo, dai critici di allora, per alcuni aspetti stravagante e ai limiti dell’eccesso fu invece apprezzata da Richard Wagner, a cui va il merito di averne intuito da subito la vera essenza, che la definì «l’apoteosi della danza». In questa Sinfonia si sottolinea la dialettica tra luci e ombre e sboccia nel suo finale quando il dramma tra il male e il bene e stato risolto in favore del bene e della positività della vita.
Giovedì 30 novembre alle 20.30 a Torino, su Radio3 e in live streaming sul portale di Rai Cultura
Replica venerdì 1° dicembre alle 20
Torna sul podio dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della RaiJames Conlon, che ne è stato Direttore principale per quattro anni, dal 2016 al 2020. Il grande direttore d’orchestra americano, attualmente alla guida dell’Opera di Los Angeles, è recentemente stato insignito della Croce d’onore per la scienza e l’arte della Repubblica d’Austria, assegnata «a chi si è distinto e ha ottenuto encomi specialmente attraverso la creatività e lodevoli servizi nell’ambito delle scienze e delle arti». Il concerto è in programma giovedì 30 novembre alle 20.30 all’Auditorium Rai “Arturo Toscanini” di Torino, con trasmissione in diretta su Radio3 e in live streaming su raicultura.it. Replica venerdì 1° dicembre alle ore 20.
Conlon aveva già ricevuto la Légion d’Honneur nel 2002 e nel 2004 era stato nominato Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres in Francia. È anche Commendatore Ordine al Merito della Repubblica Italiana dal 2018. Nei suoi oltre cinquant’anni di carriera, ha frequentato molto la musica e la cultura austriaca, e da più di tre decadi si dedica alla riscoperta dei compositori oscurati dal Nazismo, inclusi gli austriaci Arnold Schönberg, Alexander von Zemlinsky, Franz Schreker, Erich Wolfgang Korngold, Ernest Krenek e il recentemente scomparso all’età di 103 anni Walter Arlen. Nel 1999 Conlon ha ricevuto lo Zemlinsky Prize per il suo sostegno all’arte del compositore austriaco da parte della Zemlinsky Stiftung di Vienna.
Proprio con il capolavoro di un sommo compositore austriaco si apre anche il suo concerto con la compagine Rai: è infatti in programma la Sinfonia n. 8 in si minore D 759 di Franz Schubert, detta “Incompiuta”. Scritta da nel 1822, fu eseguita per la prima volta nel 1865, allorché il direttore Johann von Herbeck la riscoprì nella biblioteca di uno degli amici fidati di Schubert. Composta di due soli movimenti e di uno Scherzo lasciato allo stato di abbozzo – per ragioni mai chiarite che hanno alimentato l’equivoco sulla sua “compiutezza” – la pagina è una delle più squisite espressioni romantiche di tutto il repertorio sinfonico.
Completano il programma alcuni brani sinfonici tratti dalla Götterdämmerung, l’ultima opera della Tetralogia di Richard Wagner. Intitolata in origine Siegfrieds Tod (Morte di Siegfriedo), Il crepuscolo degli dei costituisce l’embrione che fin dal 1848 aveva dato vita alla stesura poetica dell’intera saga nibelungica. La composizione musicale, successiva di pochi mesi alla fine della stesura del Lohengrin, fu invece compresa fra il 1869 e il 1874. Andata in scena nel 1876 sotto la direzione di Hans Richter in occasione della prima rappresentazione dell’intero Ring des Nibelungen al Festival di Bayreuth, l’opera evoca attraverso la morte dell’eroe Siegfried la distruzione del mondo e la caduta degli dei nelle tenebre del nulla. Qui gli splendori del Wagner sinfonista sono condensati nella scelta delle celebri pagine proposte all’ascolto: dall’Aurora fra le due metà del Prologo al poderoso interludio che conduce all’Atto I, noto come il Viaggio di Siegfried sul Reno, in cui l’eroe si allontana dalla natura per recarsi nella diabolica società degli uomini dopo essersi congedato dall’amata valchiria Brünnhilde; fino alla drammatica Morte di Siegfried e alla solenne Marcia funebre fra la seconda e la terza scena dell’Atto III, che in un quadro di trionfale bellezza celebrano la vita pura e ingenua del caduto decretando non solo la fine di un eroe, ma il crollo di tutto un mondo.
I biglietti per il concerto, da 9 a 30 euro, sono in vendita online sul sito dell’OSN Rai e presso la biglietteria dell’Auditorium Rai di Torino. Informazioni: 011.8104653 – biglietteria.osn@rai.it – www.osn.rai.it.
La 45esima edizione del Rossini Opera Festival, in programma a Pesaro dal 7 al 23 agosto 2024, è stata presentata nella sede del Consolato d’Italia a New York. Sono intervenuti il Console generale Fabrizio Di Michele, il Sindaco di Pesaro Matteo Ricci, il Sovrintendente Ernesto Palacio e il Direttore artistico Juan Diego Flórez. Il programma, mai così ampio, coprirà un periodo di ben 17 giorni, 4 in più del consueto, onde offrire maggiori possibilità di assistere agli spettacoli al pubblico che da tutto il mondo sarà a Pesaro, anche in coincidenza con gli eventi di Pesaro capitale italiana della cultura 2024.
Saranno proposte ben cinque opere: due nuove produzioni (Ermione e Bianca e Falliero) e tre riprese (L’equivoco stravagante, Il barbiere di Siviglia e Il viaggio a Reims dei giovani dell’Accademia Rossiniana). Nel programma concertistico figurano la prima assoluta nella revisione sulle fonti della Messa di Ravenna, la Cantata Il vero omaggio, due Concerti lirico-sinfonici e cinque Concerti di Belcanto. Il programma sarà chiuso con l’esecuzione in forma di concerto del Viaggio a Reims, a celebrazione del 40o anniversario della sua prima esecuzione in tempi moderni al ROF 1984.
Il Festival sarà inaugurato il 7 agosto al PalaScavolini, nuovo spazio teatrale riaperto all’interno del già celebre PalaFestival, da Bianca e Falliero, non più eseguita al ROF dal 2005. Roberto Abbado dirigerà l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai e il Coro del Teatro Ventidio Basso. Nel cast, Jessica Pratt (Bianca), Aya Wakizono (Falliero), Dmitry Korchak (Contareno), Giorgi Manoshvili (Capellio), Nicolò Donini (Priuli), Carmen Buendía (Costanza), Dangelo Díaz (Cancelliere), Claudio Zazzaro (Ufficiale/Usciere). Lo spettacolo è affidato a Jean-Louis Grinda, con Rudy Sabounghi per scene e costumi e Laurent Castaingt alle luci. Le tre repliche si terranno l’11, 14 e 19 agosto.
Seguirà l’8 agosto al Teatro Rossini la prima dell’Equivoco stravagante, già visto con grande successo al ROF 2019. Michele Spotti guiderà la Filarmonica Gioachino Rossini e il Coro del Teatro della Fortuna nello spettacolo ideato da Moshe Leiser e Patrice Caurier con le scene di Christian Fenouillat, i costumi di Agostino Cavalca e le luci di Christophe Forey. Nella compagnia di canto figurano Maria Barakova (Ernestina), Nicola Alaimo (Gamberotto), Pietro Adaíni (Ermanno), Carles Pachón (Buralicchio), Patricia Calvache (Rosalia) e Matteo Macchioni (Frontino). Repliche il 12, 16 e 21 agosto.
Alla Vitrifrigo Arena il 9 agosto sarà la volta della seconda nuova produzione, Ermione, assente a Pesaro dal 2008. Michele Mariotti dirigerà l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai e il Coro del Teatro Ventidio Basso. La messinscena è a cura di Johannes Erath, con scene di Heike Scheele, costumi di Jorge Jara, video di Bibi Abel e luci di Fabio Antoci. Nel cast, Anastasia Bartoli nel ruolo del titolo, affiancata da Victoria Yarovaya (Andromaca), Enea Scala (Pirro), Juan Diego Flórez (Oreste), Antonio Mandrillo (Pilade), Michael Mofidian (Fenicio), Martiniana Antonie (Cleone), Paola Leguizamón (Cefisa) e Tianxuefei Sun (Attalo). Repliche il 13, 17 e 20 agosto.
La quarta opera in cartellone, in programma alla Vitrifrigo Arena dal 10 agosto, sarà Il barbiere di Siviglia, applauditissima al ROF nel 2018 e ripresa anche nell’edizione autunnale del 2020. Lo spettacolo, ideato da Pier Luigi Pizzi, sarà diretto da Lorenzo Passerini, alla guida dell’Orchestra Sinfonica G. Rossini e del Coro Ventidio Basso. Nella compagnia di canto, Maria Kataeva (Rosina), Andrzej Filonczyk (Figaro), Jack Swanson (Conte d’Almaviva), Carlo Lepore (Don Bartolo), Michele Pertusi (Don Basilio), Patrizia Biccirè (Berta), William Corrò (Fiorello/Uficiale). Repliche il 15, 18 e 22 agosto.
La 36a edizione dell’Accademia Rossiniana “Alberto Zedda”, al via il 1o luglio, si chiuderà il 15 luglio al Teatro Rossini con il consueto Concerto finale. Gli allievi, diretti da Davide Levi, saranno protagonisti, il 16 e 19 agosto al PalaScavolini, del Viaggio a Reims ideato da Emilio Sagi e ripreso da Matteo Anselmi. I cantanti dell’Accademia Rossiniana si esibiranno inoltre nei Salons Rossini, concerti tenuti nei borghi storici della provincia, e nei Concerti al Museo Nazionale Rossini.
Fitto il programma concertistico, con dieci appuntamenti tutti in programma al Teatro Rossini. Si comincerà l’11 agosto con una prima assoluta: la Messa di Ravenna, eseguita nella revisione sulle fonti a cura di Ferdinando Sulla, anche direttore della Filarmonica Gioachino Rossini e del Coro del Teatro della Fortuna, nonché dei solisti Jorge Juan Morata, Tianxuefei Sun e Alejandro Baliñas.
Seguirà il 15 agosto la Cantata Il vero omaggio, con Giulio Cilona alla guida della Filarmonica Gioachino Rossini e del Coro del Teatro della Fortuna. Nel cast Sara Blanch, Victoria Yarovaya, Ruzil Gatin e Alejandro Baliñas.
Saranno due i Concerti lirico-sinfonici: il 18 agosto Alessandro Cadario dirigerà Gregory Kunde e la Filarmonica Gioachino Rossini; il 20 agosto Jacopo Brusa dirigerà Giorgio Caoduro e l’Orchestra Sinfonica G. Rossini. In programma anche cinque Concerti di Belcanto: protagoniste Eleonora Buratto (12 agosto), Pietro Spagnoli (13 agosto), Ramón Vargas (14 agosto), Sara Blanch (17 agosto) e Daniela Barcellona (21 agosto). Il 22 agosto Delphine Constantin-Reznik, (arpa) e Roman Reznik (fagotto) saranno protagonisti di Rossinimania.
Il ROF 2024 si chiuderà il 23 agosto al PalaScavolini con l’esecuzione in forma di concerto del Viaggio a Reims. Diego Matheuz dirigerà l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai e il Coro del Teatro Ventidio Basso, nonché un cast composto da Vasilisa Berzhanskaya (Corinna), Maria Barakova (Marchesa Melibea), Sara Blanch (Contessa di Folleville), Karine Deshayes (Madama Cortese), Jack Swanson (Cavalier Belfiore), Dmitry Korchak (Conte di Libenskof), Mihael Mofidian (Lord Sidney), Erwin Schrott (Don Profondo), Nicola Alaimo (Barone di Trombonok), Vito Priante (Don Alvaro), Alejandro Baliñas (Don Prudenzio), Tianxuefei Sun (Don Luigino), Paola Leguizamón (Delia), Martiniana Antonie (Maddalena), Vittoriana De Amicis (Moestina), Nicolò Donini (Antonio), Jorge Juan Morata (Zefirino/Gelsomino).
Gli Enti fondatori del ROF sono il Comune di Pesaro, Intesa Sanpaolo e la Fondazione Scavolini. Il Festival si attua con il sostegno di Ministero della Cultura, Comune di Pesaro, Regione Marche, EBWorld, Fondazione Meuccia Severi. L’evento di New York è stato realizzato con la collaborazione di Neos, compagnia aerea italiana parte di Alpitour World, e Regione Marche.
Sabato 2 dicembre, ore 21.00 – Basilica dei Santi Gervasio e Protasio, Rapallo
Mattia Rondelli sarà alla direzione dell’Orchestra dell’Opera Carlo Felice e del soprano Barbara Massaro in un nuovo appuntamento con il ciclo sinfonico Mozart l’italiano, per la rassegna Liguria Musica. Il concerto sarà in replica in due date: martedì 28 novembre 2023 alle ore 21.00 alla Chiesa di San Matteo di Laigueglia e sabato 2 dicembre 2023 alle ore 21.00 alla Chiesa dei Santi Gervasio e Protasio di Rapallo.
Il programma prevede le sinfonie K. 22, K. 182 e K. 199, «Et incarnatus est» dalla Messa in do minore K. 427 e l’aria «Fra le oscure ombre funeste» da Davide Penitente di Mozart, insieme al «Domine Deus» da Gloria e alle prime esecuzioni in tempi moderni della Sinfonia e dell’aria «Sull’altare del Suo sdegno» dall’oratorio La sconfitta de’ Cananei di Giuseppe Sarti (1729 -1802).
Commenta Mattia Rondelli: «Il programma non vuole fare confronti ma mettere a disposizione del pubblico capolavori mozartiani, di solito poco frequentati, ad eccezione dell’Assoluto categorico dell’Et incarnatus, tratto dalla Messa in do minore K. 427, e alcuni esempi della stesura sacra di Giuseppe Sarti. Molto peculiare è stata la riscoperta dell’oratorio La sconfitta de’ Cananei (Roma 1766). Inimmaginabile è la modernità della scrittura musicale antesignana dello stile cosiddetto classico che si sarebbe affermato da lì a qualche decennio, forte è l’impatto emotivo grazie ad arditezze strumentali, armoniche ed ai virtuosismi vocali inaspettati e imprevedibili. L’aria di Jaele, che si eseguirà nell’impaginato di oggi, evidenzia le difficoltà tecniche che Sarti richiedeva ai cantanti, ma è emblematica anche di quella sprezzatura e di quei colori drammatici così forti che lasciano facilmente disegnare all’immaginazione dell’ascoltatore i tratti di una scena che non c’è. La Sinfonia dell’oratorio, in do maggiore, tripartita, marziale nel suo incipit e di grande brillantezza nel finale, si è scoperto non essere stata scritta per l’oratorio, ma è stata “presa in prestito”, dall’opera La Nitteti che lo stesso Sarti aveva composto l’anno prima a Venezia per il Teatro S. Benedetto. Le stesse sinfonie mozartiane che verranno eseguite in questo programma sono figlie di quei tempi e di quelle consuetudini: inevitabile il condizionamento anche del giovanissimo Mozart rispetto al panorama musicale in cui veniva cresciuto. Anche esse sul piano formale sono tripartite, e le analogie strutturali e ritmiche tra l’una e l’altra fanno indubbiamente pensare a un pattern formale noto e condiviso. Le diverse notizie e informazioni sulle primissime sinfonie che Mozart avrebbe scritto a Londra, bambino tra il 1764 e il 1765, e che sono andate perdute, fanno presagire di una sinfonia in do maggiore, forse ad imitazione di Johann Christian Bach, con una scansione ritmica molto militaresca. Sarà solo un caso, ma anche la Sinfonia de La Nitteti, prestata ai Cananei, rispecchia quella tonalità e quelle caratteristiche… è bello sognare che la stima di Mozart per Sarti fosse cominciata prima delle più note vicissitudini».
Ingresso gratuito con biglietto presso le sedi del concerto
Barbara Massaro si diploma in viola e in canto al Conservatorio di Milano. Inizia la sua formazione musicale entrando nel Coro di Voci Bianche del Teatro alla Scala. Nel 2014 è Serpina nella Serva padrona con l’Ensemble Barocco Arcantico; Berta nel Barbiere di Siviglia e Adina nell’Elisir d’amore al Teatro Nuovo di Milano; nel 2016 è Rowan in The little sweep al Teatro Lirico di Magenta; Susanna nelle Nozze di Figaro nella produzione Opera Studio del Conservatorio di Milano. Ammessa all’Accademia di belcanto “Rodolfo Celletti”, si esibisce al 42° Festival della Valle d’Itria debuttando come Driadein Baccanali di Steffanie e Geraldinein A hand of bridge e come vincitrice del Concorso AsLiCo, interpreta Despinain Così fan tutte nel Circuito Lombardo. Recentemente è stata al Festival della Valle d’Itria per Le donne vendicate, al Coccia di Novara come Adina in Elisir d’amore,Frasquitain Carmen all’Arena di Verona, Berenicein L’occasione fa il ladro al Tiroler Festspiele, Zerlina in Don Giovanni e Lauretta in Gianni Schicchi al Filarmonico di Verona, al Glyndebourne Festival in Rinaldo, in Guglielmo Tell nel Circuito AsLiCo, e in Don Carlo alla Fenice.
Mattia Rondelli,già allievo di importanti maestri come Bellugi, Panula e Renzetti, è da anni ospite di diverse istituzioni italiane ed internazionali tra cui Teatro Regio di Torino, Festival Mito, Bologna Festival, Stresa Festival, Ravenna Festival e Philharmonia di S. Pietroburgo. La lunga collaborazione con il Valery Gergiev lo ha portato più volte sul podio del Teatro Mariinskij di S. Pietroburgo, di particolare rilievo sono state alcune “prime” dello stesso teatro, tra cui i Quattro Pezzi Sacri di Verdi, e la prima esecuzione mondiale in tempi moderni di due pagine sacre di Giuseppe Sarti. La ripresa audio live è stata pubblicata da Sony Music prima e da Da Vinci Publishing oggi. Il lavoro di approfondimento sui manoscritti di Giuseppe Sarti combinato con l’esperienza esecutiva hanno portato all’invito di Sir John Eliot Gardiner a collaborare attivamente ad alcune sue produzioni musicali e alle sue ricerche storico musicali più recenti finalizzate alle prossime pubblicazioni. Nel 2014 è stato ideatore del progetto “Fare Musica per tutti”, con lo scopo di ridare alla musica il posizionamento di un valore primario per l’uomo. Ha avuto, inoltre, il privilegio di essere direttore ospite di molte altre prestigiose orchestre. Dal 2021 è direttore artistico di Musica& a Cortina d’Ampezzo, nuovo format divulgativo in cui condivide idee, contenuti e palcoscenico con Roberto Prosseda. È stato visiting professor in direzione d’orchestra alla University of Illinois di Chicago e alla Jerusalem Academy of Music and dance. È oggi docente presso il Conservatorio di Sassari.
La storia dell’Orchestra dell’Opera Carlo Felice inizia nei primi anni del ‘900; l’attività sinfonica e operistica è da allora continuativa. Con un repertorio che spazia dal Seicento alla musica contemporanea, la compagine si distingue per produttività e versatilità. Sul podio si avvicendano direttori di rilevanza internazionale, per citarne solo alcuni: Victor De Sabata, Igor Stravinsky, Franco Capuana, Sergiu Celibidache, Hermann Scherchen, Claudio Abbado, Alceo Galliera, Carlo Maria Giulini, Riccardo Muti, Georges Prêtre, Mstislav Rostropovič, Gianandrea Gavazzeni, Daniel Oren, Antonio Pappano, Christian Thielemann, Daniele Gatti, Gennadij Roždestvenskij, Bruno Campanella, Zubin Mehta, Nello Santi, Sir Neville Marriner, Kyrill Petrenko, Hartmut Haenchen, Vladimir Fedoseev, Andrea Battistoni, Fabio Luisi (Direttore onorario), Donato Renzetti (Direttore emerito). Dal 2022 Riccardo Minasi è il Direttore musicale. Numerose sono le incisioni registrate al Teatro Carlo Felice, in particolare di produzioni liriche, per etichette quali Deutsche Grammophon, Decca, Sony, TDK, Rai-Trade, Nuova Era Records, Arthaus Musik, Dynamic, Bongiovanni, Denon/Nippon Columbia e BMG-Ricordi. L’alto livello artistico consolidato negli anni le consente di prendere parte a manifestazioni di grande prestigio quali il Festival dei Due Mondi di Spoleto, il Ravello Festival, il Festival di musica sacra Anima Mundi di Pisa, e d’esibirsi in importanti sedi nazionali e internazionali quali il Parco della Musica di Roma, il Teatro degli Arcimboldi di Milano, l’Auditorium della Conciliazione di Roma, il Teatro dal Verme di Milano, la Royal Opera House di Muscat, la Astana Opera, il Marinsky Concert Hall, la Basilica di S. Francesco ad Assisi.
Per i gruppi è attivo l’indirizzo gruppi@vivaticket.com a cui rivolgersi per le prenotazioni e l’acquisto di biglietti della nostra Stagione.
Orari
Da lunedì al sabato, dalle ore 9.30 alle ore 19.00.
Spettacoli serali: apertura un’ora prima dell’inizio, chiusura 15 minuti dopo l’inizio. Spettacoli pomeridiani o serali di domenica: apertura due ore prima dell’inizio, chiusura 15 minuti dopo l’inizio.
Il capolavoro di Čajkovskij porta la magia del Natale sul palco del Teatro Regio, in uno spettacolo per tutta la famiglia, con gli allievi di Professione Danzain uno spettacolo per tutta la famiglia, con gli allievi di Professione Danzae i danzatori del Balletto di Parma.
Le musiche del capolavoro di Čajkovskij portano le emozioni del Natale sul palcoscenico del Teatro Regio di Parma: a RegioYoung va in scena, per i bambini dai 5 anni in su e le loro famiglie, Lo schiaccianoci e il re dei topi con un doppio appuntamento, alle ore 15.00 e alle ore 18.30.Protagonisti gli allievi di Professione Danza Parma con la partecipazione dei danzatori del Balletto di Parma, sulle musiche di Pëtr Il’ič Čajkovskij e sulle coreografie originali di Marius Petipa e di Ivanovič Ivanov riprese da Lucia Giuffrida, Francesco Frola, Adria Luz Velasquez Castillo. Nei ruoli principali, Francesco Dall’Aglio(Sig.Stahlbaum), Gisella Granato(Sig.ra Stahlbaum), Francesco Frola(Drosselmeyer), Stella Bacchi Tanani(Maria), Galileo Cucini(Fritz).
Balletto in due atti ispirato all’omonimo racconto di E.T.A. Hoffmann, e alla versione più leggera e fiabesca di Alexandre Dumas, Lo schiaccianoci è capace di affascinare grandi e piccoli per l’ambientazione che intreccia sogno e realtà e per le sue celebri melodie: la Danza russa, il Valzer dei fiori, la Danza della fata confetto sono solo alcuni dei famosissimi brani che compongono la suite, divenuta un caposaldo del balletto romantico, tra i più amati e rappresentati anche dalle scuole di danza.
Lo spettacolo racconta le avventure della piccola Maria che, ricevuto in dono un piccolo schiaccianoci a forma di soldatino, vive in sogno un’avventura fantastica in cui dovrà difendere da una frotta di topi il suo amato giocattolo, che si trasformerà in un meraviglioso principe che la condurrà verso un luogo incantato.
Professione Danza Parma ha come obiettivo formazione artistica degli studenti dagli 11 ai 19 anni di età, nell’ottica di un futuro avviamento alla carriera professionale. L’eccellenza del corpo docente, la struttura ampia e moderna e la varietà dell’offerta formativa la rendono un punto di riferimento per chi vuole avviarsi al mondo della danza professionale.
Il Balletto di Parma è una Compagnia fondata da Lucia Giuffrida e Francesco Frola, con lo scopo di offrire ai giovani danzatori un ponte di accesso al mondo professionale. La missione principale del Balletto di Parma è quella di preparare i giovani danzatori ad affrontare la carriera professionale nelle più prestigiose compagnie del mondo, offrendo loro preziose occasioni di lavorare sia con coreografi già affermati, sia con giovani coreografi emergenti: un trampolino di lancio per trasformare i giovani talenti in danzatori professionisti di alto livello e versatilità.
BIGLIETTERIA DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Biglietti € 10 Ridotto € 8
Strada Giuseppe Garibaldi, 16/A 43121 Parma Tel. +39 0521 203999 biglietteria@teatroregioparma.it
ORARI DI APERTURA dal martedì al sabato ore 11.00-13.00 e 17.00-19.00 e un’ora precedente lo spettacolo. In caso di spettacolo nei giorni di chiusura, da un’ora precedente lo spettacolo. Chiuso il lunedì, la domenica e i giorni festivi. Il pagamento presso la Biglietteria del Teatro Regio di Parma può essere effettuato con denaro contante in Euro, con assegno circolare non trasferibile intestato a Fondazione Teatro Regio di Parma, con PagoBancomat, con carte di credito Visa, Cartasi, Diners, Mastercard, American Express. I biglietti per tutti gli spettacoli sono disponibili online su teatroregioparma.it. L’acquisto online non comporta alcuna commissione di servizio.
Teatro Regio di Parma
sabato 2 dicembre 2023, ore 15.00 e ore 18.30
Durata 1 ora e 40 minuti, compreso un intervallo
LO SCHIACCIANOCI E IL RE DEI TOPI
Musiche di PËTR IL’IC CAJKOVSKIJ
Coreografia LUCIA GIUFFRIDA, FRANCESCO FROLA, ADRIA LUZ VELASQUEZ CASTILLO da LEV IVANOVIC IVANOV, MARIUS PETIPA
INTERPRETI
Sig.Stahlbaum Francesco Dall’Aglio
Sig.ra Stahlbaum Gisella Granato
Drosselmeyer Francesco Frola
Maria Stella Bacchi Tanani
Fritz Galileo Cucini
Nonno Stahlbaum Giacomo Pio Greco
Nonna Stahlbaum Vittoria Pennacchini / Ginevra Lenti
Automi Giulio Commerso, Linda Tomaselli
Balia Alice Friggeri
Cameriere Viola Brambilla
Re dei topi Giovanna Golin
Principi della neve Paolo Giovanni Grosso, Sara Noveri
Ottieni uno scontospeciale per vivere il Festival2023in digitale! Per te le opere in scena al Teatro Donizetti e al Teatro Sociale instreaming su DonizettiOperaTube, la webTV di Gaetano, a € 20,00 anziché € 39,90! Nell’abbonamentodigitale sono compresi lo streamingintegrale delle opere Alfredo il Grande, Il diluvio universalee Lucie de Lammermoor. E ancora tanti contenuti originali dal 2020 al 2023 come Parla con Gaetano e Alle prove con Mattioli. Nelle locandine brillano i nomi di GiulianaGianfaldoni, CaterinaSala, Nahuel Di Pierro, Enea Scala e AntoninoSiragusa. Sul podio, oltre al direttore musicale RiccardoFrizza, ritorna CorradoRovaris e debutta PierreDumoussaud esperto del repertorio francese. Le regie sono di MASBEDO, StefanoSimonePintor e JacopoSpirei.Approfitta dello Yellow Friday fino a lunedì 27 novembre!SCOPRI DI PIÙ E ABBONATI
Musiche di Benjamin Britten, Gerald Finzi e Gustav Holst
Soprano Mariasole Mainini
Mezzosoprano Maria Letizia Poltini
Tenore Matteo Michi
Baritono Matteo Armanino
Pianoforte Claudio Marino Moretti
Domenica 26 novembre 2023 alle ore 11.00, il ciclo di concerti di musica vocale da camera Novecenti prosegue con Rule, Britannia!. Il programma, dedicato al Novecento inglese, vedrà Claudio Marino Moretti al pianoforte con il mezzosoprano Maria Letizia Poltini e il tenore Matteo Michi in Abraham and Isaac di Benjamin Britten, il baritono Matteo Armanino in Let Us Garlands Bring di Gerald Finzi e il soprano Mariasole Mainini nelle Humbert Wolfe Songs di Gustav Holst.
Abraham and Isaac è il secondo dei Canticles di Benjamin Britten, composto nel 1952 per Kathleen Ferrier e Peter Pears. Il testo, tratto dai medievali Chester Mistery Plays, ripercorre l’episodio biblico del Sacrificio di Isacco. Nella composizione Britten impiega un linguaggio semplice, dove le linee vocali si snodano limpide accompagnate da un pianoforte sempre ben misurato. La raffinatezza di Britten prende forma attraverso una sottile varietà stilistica che diversifica ogni sezione senza alterare il carattere composto e religioso.
Let Us Garlands Bring è una raccolta di cinque canzoni che Gerald Finzi compose tra il 1929 e il 1942 su testi tratti da Shakespeare. Finzi si dedicò a lungo alla composizione di liriche (il suo catalogo ne conta circa 60), con una speciale predilezione per la letteratura classica inglese e per la musica popolare, della quale fu grande studioso. In Let Us Garlads Bring convergono gli interessi letterari del compositore, con la rielaborazione in forma di canzone dei testi teatrali di Shakespeare, e la ricerca attorno alla musica tradizionale inglese.
La raccolta Twelve Humbert Wolfe Songs di Gustav Holst risale al 1930. Come da titolo, le dodici canzoni sono composte su altrettanti testi del poeta Humbert Wolfe. I temi affrontati sono vari, è centrale la dimensione del sogno/fantasia, nella quale il poeta crea immagini e suggestioni forti di grande originalità. La scrittura di Holst è vivace e varia, e accompagna il testo nei repentini cambi di atmosfera e umore. In seguito alla morte del compositore, avvenuta nel 1934, la raccolta rimase inedita fino al 1968, quando la figlia Imogen coinvolse Benjamin Britten e Peter Pears nella prima registrazione.
Maria Letizia Poltini si diploma in pianoforte col massimo dei voti al Conservatorio di Genova e conclude la specializzazione per maestri collaboratori di sala e palcoscenico. Negli stessi anni fonda e prende parte al quintetto vocale “Cluster”, con il quale si esibisce in numerosi palchi di festival in Italia, Europa, Russia, Cina ed USA ed incide 4 dischi. I Cluster collaborano con importanti artisti quali gli Swingle Singers e altri noti gruppi vocali a cappella. Studia in seguito canto lirico e presta servizio come artista del coro dell’Opera Carlo Felice.
Matteo Michi si è diplomato brillantemente al Conservatorio di Firenze e ha partecipato a masterclasses con importanti nomi della lirica nonché a numerose masterclasses di perfezionamento corale organizzate dall’Accademia del Teatro alla Scala di Milano. Da aprile 2023, a seguito della vittoria del concorso pubblico, è artista del coro stabile dell’Opera Carlo Felice. In passato, sempre in qualità di artista del coro, ha preso parte alla rappresentazione di numerosissime opere liriche, sinfoniche e sacre presso importanti teatri italiani ed esteri, esibendosi anche come solista in diversi concerti.
Matteo Armanino ha iniziato gli studi vocali sotto la guida di Stephen Woodbury, perfezionandosi in seguito con Riccardo Ristori e Alessandro Inzillo. Ha conseguito la laurea con lode in Conservazione dei Beni Culturali a indirizzo Musicale presso l’Università di Parma. Esordisce come solista all’Opera Carlo Felice. Dal 2001 collabora con il Coro Filarmonico “Ruggero Maghini” di Torino, impegnato in numerose produzioni con l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. Dal 2002 è artista del coro all’Opera Carlo Felice, dove è anche interprete di parti solistiche nelle Stagioni lirico-sinfoniche.
Mariasole Mainini si diploma in clarinetto, in seguito si laurea in canto lirico al Conservatorio di Torino. Fa diverse esperienze come soprano solista debuttando in svariate produzioni operistiche. Nel 2019 viene selezionata dal Maestro William Christie per il ruolo di Sandrina nell’opera La finta giardiniera di Mozart, per una tournée in diverse città europee, quali Parigi, Versailles, Vienna, Valencia, Mosca, Nantes. Dal 2016 collabora attivamente in qualità di artista del coro in diversi Enti e Circuiti Lirici, quali Aslico, Maggio Musicale di Firenze e Opera Carlo Felice.
Claudio Marino Moretti studia composizione con Franco Donatoni e pianoforte con Antonio Ballista. Collabora per alcuni anni con Mino Bordignon ai Civici cori di Milano e successivamente con Bruno Casoni al Teatro Regio di Torino. Fonda il Coro di voci bianche del Teatro Regio di Torino e del Conservatorio di Torino col quale svolge un’intensa attività didattica e concertistica. Dal 2001 è maestro del coro del Teatro Regio di Torino col quale tra le altre cose incide a Colonia, assieme al Coro della Radio di Colonia e al Coro della Radio di Amburgo, il Requiem di Giuseppe Verdi con la direzione di Semyon Bychkov. Dal 2008 al 2021 è maestro del coro del Teatro La Fenice di Venezia che prepara, oltre che nel grande repertorio operistico e sinfonico, per la prima mondiale del Requiem di Bruno Maderna e successivamente di Intolleranza di Luigi Nono. Ha tenuto molti concerti con repertori che spaziano dall’integrale dei mottetti di Bach ai compositori del Novecento storico e contemporaneo. Ha collaborato con direttori d’orchestra quali Luisi, Noseda, Campanella, Frizza, Chung, Gardiner, Harding, Prêtre, Plasson, Bychkov, Abbado e molti altri. Dal 2022 è maestro del Coro dell’Opera Carlo Felice Genova.
Per i gruppi è attivo l’indirizzo gruppi@vivaticket.com a cui rivolgersi per le prenotazioni e l’acquisto di biglietti della nostra Stagione.
Orari
Da lunedì al sabato, dalle ore 9.30 alle ore 19.00.
Spettacoli serali: apertura un’ora prima dell’inizio, chiusura 15 minuti dopo l’inizio. Spettacoli pomeridiani o serali di domenica: apertura due ore prima dell’inizio, chiusura 15 minuti dopo l’inizio.
